documental sobre Quirino Cristiani
Quirino Cristiani
-
Mostrando entradas con la etiqueta animación. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta animación. Mostrar todas las entradas
12/8/11
una pequeña historia de la animación
>
Cuando duermo, sueño con ser Bugs Bunny, pero al despertarme descubro que sigo siendo el pato Lucas.
Cuando duermo, sueño con ser Bugs Bunny, pero al despertarme descubro que sigo siendo el pato Lucas.
Chuck Jones
>
una pequeña h i s t o r i a de la a n i m a c i ó n _
www.cineoriginal.blogspot.com
:::
una pequeña h i s t o r i a de la a n i m a c i ó n _
www.cineoriginal.blogspot.com
:::
1- de los dinosaurios a los Simpsons
_Los dibujos animados nacieron antes que el mismo cine. Se atribuye su paternidad a un visionario francés llamado Emile Reynaud. Él llevó la ilusión del dibujo en movimiento a las mayores alturas, conjugando el espectáculo con el drama, en una época en que la animación apenas era poco más que un truco óptico para demostrar teorías científicas y entretener a los niños.
_Emile Reynaud creó en 1877 el praxinoscopio, partiendo del zoótropo. Reynaud consiguió la proyección de imágenes animadas en buenas condiciones y la proyección de movimientos no cíclicos. Más tarde, mejorando su praxinoscopio creó el Teatro óptico, que añadía la posibilidad de proyectar imágenes sobre cintas perforadas. Desde 1892 y durante diez años, antes de la aparición del cinematógrafo de los Lumière, Reynaud hizo representaciones públicas sobre una pantalla en el museo Grévin de París. Reynaud proyectó dibujos sobre una pantalla de gelatina transparente, anticipándose en muchos aspectos a la mecánica del cinematógrafo, e hizo de sus pequeños relatos artesanales (las "Pantomimas Luminosas") los precursores de la animación. Con su colosal máquina, Reynaud proyectaba en teatros abarrotados de público, con luces y espejos, más de 500 dibujos uno detrás de otro, por medio de un agotador mecanismo manual, y mostraba, a una audiencia atónita, sencillas historias de amor y comedia con jóvenes románticos y malvados entrometidos, durante casi un cuarto de hora de espectáculo.
_El segundo gran pionero que contribuyó de manera decisiva -a finales del XIX y principios del XX- al desarrollo de la animación fue Georges Meliès. El taumaturgo francés fue ilusionista, escenógrafo teatral, mago... y en sus films se mostraban trucos y efectos visuales. Algunas de sus películas son "Cenicienta" y "Juana de Arco" (1902) pero, sobre todo, "Viaje a la luna", que divierte y fascina todavía hoy a los espectadores de cualquier lugar, gracias a su humor e inventiva, como en el aterrizaje de un cohete en el ojo de una cara antropomorfa.
_Aunque el cine de animación es anterior al del cine en movimiento y se basaba en ilusiones ópticas producidas con aparatos anteriores al cinematógrafo, como el zoótropo o el praxinoscopio de Reynaud, años después de que el cine con acciones en vivo apareciera, Edwin S. Porter hizo la primera animación de objetos, fotograma a fotograma, para la compañía Edison. En 1905 hizo "How Jones lost his roll" y "The whole dam family and the dam dog", en las que los intertítulos estaban hechos con letras recortadas que se movían al azar alrededor de la pantalla hasta colocarse en líneas y en el orden adecuado para componer cada frase. Esta técnica requería una adaptación de la cámara de cine normal, de forma que sólo exponía un fotograma, parándose con el obturador cerrado, en vez de continuar a la velocidad acostumbrada de 16 fotogramas por segundo.
_La idea se aplicó por vez primera para hacer una serie de dibujos animados por James Stuart Blackton, un inglés afincado en los Estados Unidos, en "Humorous phases of funny faces" (1906). Blackton produjo así la primera película animada, traducida como Fases divertidas. En "La casa encantada", la fotografía stop-action se usó repetidamente para dar vida a objetos inanimados. El film se hizo enormemente popular y su técnica se divulgó entre cineastas de todo el mundo, que empezaron a experimentar con historias de títeres, marionetas, y maquetas. Así nació la técnica de animación stop-motion, que es la utilizada generalmente en las animaciones que aparecen en el segundo apartado de esta historia.
_En 1906 Blackton produjo otra película, "A midwinter night's dream", en la que una serie de muñecas de juguete parecían moverse al desplazar levemente sus miembros entre fotograma y fotograma, sistema que constituyó el primer ejemplo de la animación de muñecos. Blackton continuó con este tipo de animación en "The Haunted Hotel" (1907), en la que hacía que objetos modelados en arcilla se transformaran gradualmente en cosas diferentes, mediante una deformación gradual de su forma entre fotograma y fotograma. Estas técnicas fueron utilizadas también por cineastas europeos como el español Segundo de Chomón y el francés Emile Cohl.
_El español Segundo de Chomón, director, fotógrafo, creador de efectos especiales y trucos de cine e iluminador a color, entusiasmado por el invento de los hermanos Lumière, viajó a París en 1897 para estudiar de cerca el invento. Pionero del cine, aplicó su enorme imaginación al desarrollo del nuevo medio. Fue contratado por Pathé para competir con Georges Meliès realizando películas fantásticas. Segundo de Chomón fue uno de los pioneros del morphing en "La licuefacción de los cuerpos duros" (1909), en la que deformó el cuerpo de una persona convirtiéndolo primero en un monigote de alambre y al final en una masa informe. A partir de 1912, trabajó en Italia y allí realizó contribuciones importantes en obras fundamentales del momento.
_Emile Cohl, dibujante de cómics, creó sus primeros monigotes en Francia (1908-12), pero prosiguió su carrera en Estados Unidos (1914-6), en donde dio vida en colaboración con McManus, al personaje Snookum, protagonista de la primera serie de dibujos animados del mundo. En Francia al acabar la guerra creó con Louis Forton la serie protagonizada por Pieds Nickelès (1918-9). Realizó Fantasmagoría (1908), film que tiene el valor de abrir la animación al campo del grafismo. Cohl, no animaba objetos sino caracteres autónomos con personalidad propia, de ahí que se le considere el precursor específico de los cartoons. Cohl produjo la primera serie uniforme de dibujos animados, trazando dibujos sencillos de figuras humanas esquemáticas que daban saltos y sufrían transformaciones espectaculares. _Aunque el género nació en Francia conoció su desarrollo y esplendor en los Estados Unidos. Winsor McCay, dibujante de cómics, era autor de una famosa tira del New York Herald, El pequeño Nemo. McCay se interesó por el cine de animación y se puso en contacto con el propio Blackton. El resultado fue el estreno en 1911 de un vodevil en el cual sobre la pantalla aparecía el popular Nemo en movimiento. Unos años después McCay realizaría "Gertie, el dinosaurio" (1914), considerada su obra maestra.
_Los dibujos animados nacieron antes que el mismo cine. Se atribuye su paternidad a un visionario francés llamado Emile Reynaud. Él llevó la ilusión del dibujo en movimiento a las mayores alturas, conjugando el espectáculo con el drama, en una época en que la animación apenas era poco más que un truco óptico para demostrar teorías científicas y entretener a los niños.
_Emile Reynaud creó en 1877 el praxinoscopio, partiendo del zoótropo. Reynaud consiguió la proyección de imágenes animadas en buenas condiciones y la proyección de movimientos no cíclicos. Más tarde, mejorando su praxinoscopio creó el Teatro óptico, que añadía la posibilidad de proyectar imágenes sobre cintas perforadas. Desde 1892 y durante diez años, antes de la aparición del cinematógrafo de los Lumière, Reynaud hizo representaciones públicas sobre una pantalla en el museo Grévin de París. Reynaud proyectó dibujos sobre una pantalla de gelatina transparente, anticipándose en muchos aspectos a la mecánica del cinematógrafo, e hizo de sus pequeños relatos artesanales (las "Pantomimas Luminosas") los precursores de la animación. Con su colosal máquina, Reynaud proyectaba en teatros abarrotados de público, con luces y espejos, más de 500 dibujos uno detrás de otro, por medio de un agotador mecanismo manual, y mostraba, a una audiencia atónita, sencillas historias de amor y comedia con jóvenes románticos y malvados entrometidos, durante casi un cuarto de hora de espectáculo.
_El segundo gran pionero que contribuyó de manera decisiva -a finales del XIX y principios del XX- al desarrollo de la animación fue Georges Meliès. El taumaturgo francés fue ilusionista, escenógrafo teatral, mago... y en sus films se mostraban trucos y efectos visuales. Algunas de sus películas son "Cenicienta" y "Juana de Arco" (1902) pero, sobre todo, "Viaje a la luna", que divierte y fascina todavía hoy a los espectadores de cualquier lugar, gracias a su humor e inventiva, como en el aterrizaje de un cohete en el ojo de una cara antropomorfa.
_Aunque el cine de animación es anterior al del cine en movimiento y se basaba en ilusiones ópticas producidas con aparatos anteriores al cinematógrafo, como el zoótropo o el praxinoscopio de Reynaud, años después de que el cine con acciones en vivo apareciera, Edwin S. Porter hizo la primera animación de objetos, fotograma a fotograma, para la compañía Edison. En 1905 hizo "How Jones lost his roll" y "The whole dam family and the dam dog", en las que los intertítulos estaban hechos con letras recortadas que se movían al azar alrededor de la pantalla hasta colocarse en líneas y en el orden adecuado para componer cada frase. Esta técnica requería una adaptación de la cámara de cine normal, de forma que sólo exponía un fotograma, parándose con el obturador cerrado, en vez de continuar a la velocidad acostumbrada de 16 fotogramas por segundo.
_La idea se aplicó por vez primera para hacer una serie de dibujos animados por James Stuart Blackton, un inglés afincado en los Estados Unidos, en "Humorous phases of funny faces" (1906). Blackton produjo así la primera película animada, traducida como Fases divertidas. En "La casa encantada", la fotografía stop-action se usó repetidamente para dar vida a objetos inanimados. El film se hizo enormemente popular y su técnica se divulgó entre cineastas de todo el mundo, que empezaron a experimentar con historias de títeres, marionetas, y maquetas. Así nació la técnica de animación stop-motion, que es la utilizada generalmente en las animaciones que aparecen en el segundo apartado de esta historia.
_En 1906 Blackton produjo otra película, "A midwinter night's dream", en la que una serie de muñecas de juguete parecían moverse al desplazar levemente sus miembros entre fotograma y fotograma, sistema que constituyó el primer ejemplo de la animación de muñecos. Blackton continuó con este tipo de animación en "The Haunted Hotel" (1907), en la que hacía que objetos modelados en arcilla se transformaran gradualmente en cosas diferentes, mediante una deformación gradual de su forma entre fotograma y fotograma. Estas técnicas fueron utilizadas también por cineastas europeos como el español Segundo de Chomón y el francés Emile Cohl.
_El español Segundo de Chomón, director, fotógrafo, creador de efectos especiales y trucos de cine e iluminador a color, entusiasmado por el invento de los hermanos Lumière, viajó a París en 1897 para estudiar de cerca el invento. Pionero del cine, aplicó su enorme imaginación al desarrollo del nuevo medio. Fue contratado por Pathé para competir con Georges Meliès realizando películas fantásticas. Segundo de Chomón fue uno de los pioneros del morphing en "La licuefacción de los cuerpos duros" (1909), en la que deformó el cuerpo de una persona convirtiéndolo primero en un monigote de alambre y al final en una masa informe. A partir de 1912, trabajó en Italia y allí realizó contribuciones importantes en obras fundamentales del momento.
_Emile Cohl, dibujante de cómics, creó sus primeros monigotes en Francia (1908-12), pero prosiguió su carrera en Estados Unidos (1914-6), en donde dio vida en colaboración con McManus, al personaje Snookum, protagonista de la primera serie de dibujos animados del mundo. En Francia al acabar la guerra creó con Louis Forton la serie protagonizada por Pieds Nickelès (1918-9). Realizó Fantasmagoría (1908), film que tiene el valor de abrir la animación al campo del grafismo. Cohl, no animaba objetos sino caracteres autónomos con personalidad propia, de ahí que se le considere el precursor específico de los cartoons. Cohl produjo la primera serie uniforme de dibujos animados, trazando dibujos sencillos de figuras humanas esquemáticas que daban saltos y sufrían transformaciones espectaculares. _Aunque el género nació en Francia conoció su desarrollo y esplendor en los Estados Unidos. Winsor McCay, dibujante de cómics, era autor de una famosa tira del New York Herald, El pequeño Nemo. McCay se interesó por el cine de animación y se puso en contacto con el propio Blackton. El resultado fue el estreno en 1911 de un vodevil en el cual sobre la pantalla aparecía el popular Nemo en movimiento. Unos años después McCay realizaría "Gertie, el dinosaurio" (1914), considerada su obra maestra.
_El argentino (de origen italiano) Quirino Cristiani, merece un lugar destacado en la historia de la animación, pues ya en 1917 filmó, con una particular técnica inventada por él mismo, el primer largometraje de animación: "El apóstol". Pero no se quedó ahí, además de filmar "Sin dejar rastros" (1918), más tarde fue también el pionero con el primer largometraje de animación sonoro: "Peludópolis" (1931), películas en las que destacaba una vena satírica adulta, lamentablemente perdida por culpa de los incendios, uno de los viejos males de las viejas películas. Sin embargo un reciente documental ha logrado rescatar al menos un "cómo se hizo" en el que se puede ver el laborioso e ingenioso procedimiento técnico empleado por este pionero, que fue tentado por Walt Disney pero prefirió su independencia.
_El norteamericano Earl Hurd perfeccionó decisivamente la técnica de los dibujos animados, al patentar en 1915 el uso de hojas transparentes de celuloide (cells) para dibujar las imágenes y que permitirían superponer a un fondo fijo las partes en movimiento. Este método de trabajo, mejorado por Raoul Barré, un quebequense que emigró a New York a principios del siglo XX, revolucionó la forma de hacer películas de dibujos animados, pues fue él quien pensó en perforar los márgenes de los dibujos con el fin de asegurar la estabilidad de las imágenes durante las tomas de cámara.
_El uso de bocetos de guión (como fueron originalmente llamados en el cine de acción real) probablemente empezara con las primeras películas de Disney. Webb Smith es el animador dela Disney
_El uso de bocetos de guión (como fueron originalmente llamados en el cine de acción real) probablemente empezara con las primeras películas de Disney. Webb Smith es el animador de
a quien se atribuye la invención del storyboard a principios de los años treinta. Otra valiosa contribución de aquellos que habían facilitado el camino a Walt Disney, y por añadidura se convirtieron en precursores de este arte, fue Winsor McKay, el creador de Gertie, el dinosaurio. Ahora bien, la idea de contar historias a través de una serie de dibujos, puede remontarse al antiguo Egipto o incluso más. Otros consideran que la animación comenzó en el XVII con los espectáculos itinerantes de la literatura mágica y llevó luego a las "Ilusiones ópticas de Fantasmagoría" en el XIX, hasta los dibujos animados de Félix el Gato o Mickey Mouse en los años 20 y de ahí a Bugs Bunny, La pantera rosa (1966), The Simpsons...
_Entre los que abrieron el camino, encontramos al estadounidense Otto Messmer, autor del expresivo "Felix the Cat" (1914), que fue el personaje del corto de animación más popular a nivel mundial, y Max Fleischer, creador del personaje de la serie de dibujos animados Betty Boop de los años 30. Los austríacos Max y Dave Fleischer dieron vida a personajes que alcanzaron gran popularidad, y fueron los mayores competidores de Walt Disney. Ambos hermanos crearon grandes éxitos de los dibujos animados como el travieso payaso "Coco" (1920-39) y la seductora "Betty Boop" (1930-39) inspirada en la cantante Helen Kane, cuya risa poopoo-pi-doo será un rasgo del que se apropiará Marilyn Monroe. Su personaje más duradero fue "Popeye" (1930-47), creado originalmente por E.C. Segar para la publicidad de espinacas. Realizaron también trabajos de larga duración como "Gulliver’s travels" (1939); "The Einstein Theory of Relativity" (1923), "Darwin’s Theory of Evolution" (1925) y "Hoppity va a la ciudad" (1941). La principal contribución a la técnica de la animación aportada por los hermanos Fleischer fue el rotoscopio, un aparato que permite calcar personajes animados sobre personajes reales proyectados.
_Entre ambos hicieron su aparición, en 1929, los artistas de Ub Iwerks, considerados entre los mejores creadores de animación de la época muda, quienes dieron forma a Oswald, el conejo. A continuación comenzaría la denominada era Disney, que dominaría en los años 30 y principios de los 40 con Mickey, Donald, Pluto...
_La idea de combinar dibujos y acción real fue recogida por Walt Disney (y con el tiempo llegaría a cotas asombrosas en "Un invento diabólico"
_Entre los que abrieron el camino, encontramos al estadounidense Otto Messmer, autor del expresivo "Felix the Cat" (1914), que fue el personaje del corto de animación más popular a nivel mundial, y Max Fleischer, creador del personaje de la serie de dibujos animados Betty Boop de los años 30. Los austríacos Max y Dave Fleischer dieron vida a personajes que alcanzaron gran popularidad, y fueron los mayores competidores de Walt Disney. Ambos hermanos crearon grandes éxitos de los dibujos animados como el travieso payaso "Coco" (1920-39) y la seductora "Betty Boop" (1930-39) inspirada en la cantante Helen Kane, cuya risa poopoo-pi-doo será un rasgo del que se apropiará Marilyn Monroe. Su personaje más duradero fue "Popeye" (1930-47), creado originalmente por E.C. Segar para la publicidad de espinacas. Realizaron también trabajos de larga duración como "Gulliver’s travels" (1939); "The Einstein Theory of Relativity" (1923), "Darwin’s Theory of Evolution" (1925) y "Hoppity va a la ciudad" (1941). La principal contribución a la técnica de la animación aportada por los hermanos Fleischer fue el rotoscopio, un aparato que permite calcar personajes animados sobre personajes reales proyectados.
_Entre ambos hicieron su aparición, en 1929, los artistas de Ub Iwerks, considerados entre los mejores creadores de animación de la época muda, quienes dieron forma a Oswald, el conejo. A continuación comenzaría la denominada era Disney, que dominaría en los años 30 y principios de los 40 con Mickey, Donald, Pluto...
_La idea de combinar dibujos y acción real fue recogida por Walt Disney (y con el tiempo llegaría a cotas asombrosas en "Un invento diabólico"
(1958) de Karel Zeman, y en la popular "¿Quién engañó a Roger Rabbit?" (1988) de Robert Zemeckis). Dirigió en Hollywood en 1923 su película "Alicia en el país de los dibujos animados" en la que se presentaba a una niña real Alicia moviéndose en un mundo de dibujos animados. El trabajo del equipo de Disney, dirigido por Walt como editor de relatos y por Ub Iwerks como jefe de animación, se perfeccionó rápidamente. En 1928 alcanzaron un gran éxito con las primeras películas del ratón Mickey, y después con la primera película sonora "Steamboat Willie" (1928). Los estudios Disney se situaron en la primera posición de las productoras de animación, tanto artística como comercialmente.
_El caricaturista y dibujante publicitario Walt Disney se interesó por los dibujos animados hacia 1919 y creó la serie "Alice Comedies" (1924-30). La incorporación del sonido en 1928 le permitió jugar con los efectos musicales y adaptó el technicolor a partir de "Árboles y flores" (Flower and trees, 1932). En 1935 conquistó el nuevo perfeccionamiento de la truca multiplana, que facilitaba la descomposición del dibujo en varios términos independientes y que utilizó por primera vez en "El viejo Molino" (The old Mill, 1937). También son destacables cortos de Disney de la época como "The skeleton dance", 1929, dirigido por el propio Walt Disney; "Springtime", del mismo año, dirigido por Ub Iwerks, y "The spider and the fly", dirigido por Bert Gillett.
_Walt Disney, gracias a la madurez de su organización, emprendió la realización de largometrajes de dibujos animados como "Blancanieves y los siete enanitos" (Snow White and the seven dwarfs, 1937). Disney emprendió con "Fantasía" (1940) un ambicioso experimento audiovisual, combinando imágenes con música clásica; para ello ideó un sistema de sonido estereofónico con cuatro pistas (Fantasound). Fantasía venía a inscribirse en el dibujo animado de vanguardia, que había conocido ya curiosas experiencias audiovisuales en Europa. Así, por ejemplo, "Une nuit sur le Mont Chavre" (1933) de Alexandre Alexeïeff y Claire Parker, con música de Musorgski, obra en que obtenía la animación mediante una pantalla de alfileres, cuyas cabezas componían las figuras en un estilo puntillista.
_Aunque todavía alcanzó maravillosas cotas creativas como "Peter Pan", un proyecto largamente anhelado por Walt Disney que vio la luz en1953, a partir de 1940 la Disney comenzó a sentir los aguijones de sus competidores. Walter Lantz, creador del osito Andy Panda, inició en 1941 la serie del pájaro carpintero Woody Woodpecker, introduciendo el sadismo y el furor destructivo en el género, rasgos que serán quintaesencia de la pareja formada por el gato Tom y el ratón Jerry, creados por William Hanna y Joe Barbera -autores de la exitosa serie "Los Picapiedra" (1960-6), y directores del film "El superagente Picapiedra" (1966)-, que contrastan con la ternura de Disney y señalan un cambio de rumbo en el género, que se acentuará en la postguerra, con la que se cierra la gran era de Disney.
_En la Warner Bros., y en su mítica Termite Terrace, la creatividad fue en aumento y en 1940 hizo su debut el aún hoy popular Bugs Bunny, convirtiéndose en una leyenda durante los años 50 y 60 bajo la inspirada dirección de Tex Avery, Bob Clampett, Fritz Freleng y el maestro Chuck Jones, autor del Correcaminos, autohomenajeado en "The Bugs Bunny/Road Runner Movie" (1979), codirigida por Phil Monroe .
_Tex Avery destacó especialmente entre los gigantes del arte de la animación. Sus originales y creativos cortos de animación, en especial los producidos enla MGM entre 1942 y 1955 son todavía hoy modelos a imitar. Está considerado el segundo, tras Disney, por los conocedores del género. Trabajó con Walt Lanz en el personaje de Daffy Duck (el pato Lucas), dio forma a Bugs Bunny y rediseñó al cerdito Porky. El estilo irreverente, incluso algo surrealista, de Avery continúa influenciando la animación contemporánea como en "¿Quién engañó a Roger Rabbit?" (1988), el estilo visual desenfadado de la MTV , e incluso películas recientes y espacios publicitarios. De hecho sus ocurrentes técnicas de sorprender al espectador tuvieron mucho que ver con la "nouvelle vague" francesa de los años 60.
_En la vanguardia más creativa y sorprendente se situó, durante décadas, el genial Norman Mc Laren, que aunque nacido en Escocia desarrolló su fructífera carrera en el National Film Board de Canadá desde los 40, dejando un legado de obras memorables, de una brillantez admirable. Entre sus obras, auténticas obras maestras de la animación y del cine experimental, se encuentran "Begone dull care" (1949), "Neighbours" (1952), "Blinkity blank" (1953), "A chairy tale" (1957) y muchas más creaciones que aún hoy irradian un enorme talento y vitalidad.
_También hay que destacar a Ray Harryhausen, quien vio "King Kong" en 1933 y desde ese momento su obsesión por el trucaje, las miniaturas y los efectos no hicieron más que crecer. Tras diferentes trabajos, fue llamado por el viejo maestro Willis O’Brien (el “padre” de King Kong) para que fuese su ayudante. Sus primeros años se desarrollaron en producciones modestas hasta que a mediados de los 50, hizo "The Beast of 20000 fathoms", pero su mayor éxito llegaría de la mano de Simbad, su personaje favorito. A finales de los 50 comenzó un ciclo de aventuras exóticas mostrando especial predilección por el mundo árabe y mitológico. Sus espectrales esqueletos andantes, como en el extraordinario duelo de Simbad contra el esqueleto en el El 71/4 viaje de Simbad, son auténticas obras maestras. También hay que destacar la increíble película de ciencia-ficción animada "El planeta salvaje", de René Laloux (1973) en la que los seres humanos son víctimas de otra especie. Otro clásico memorable fue "Allegro non troppo" (1976) de Bruno Bozzetto, que enlaza con mucha originalidad clásicos de la música sinfónica y una animación llena de la personalidad desbordante de su autor. Una obra maestra de la animación.
_Entre lo más logrado de las últimas décadas están las maravillosas, vivas y luminosas animaciones del francés Michel Ocelot, creador de "Kirikú y la bruja"(1998), maravillosa joya de la animación, "Kirikú y las bestias salvajes" (2005), deliciosa continuación de las aventuras de Kirikú, y la fábula "Azur y Asmar" (2006), creada con medios digitales. Tesoros llenos de alegría, ingenio y bondad. Y tampoco se pueden olvidar las joyas de la animación del también francés Sylvain Chomet, como "Bienvenidos a Belleville" (2003) y la maravillosa "El ilusionista" (2010) basada en un guión del genial Jacques Tati.
_La Disney , tras llegar a un colapso creativo tal que llegó a cerrar su departamento de animación, resurge de sus cenizas apostando por la animación tradicional llena de detallismo y encanto de sus mejores obras y sorprende gratamente con una obra llena de referencias pero equilibrada y personal "Tiana y el sapo" (2009) dirigida por John Musker y Ron Clements, que ya dirigieron "La sirenita" en 1989. Una de las mejores noticias para la animación mundial. La mano sabia de John Lasseter, al mando de la Disney , parece haber encarrilado a la mítica compañía, apelando a la propia historia y a la esencia del gigante de la animación, que durante tiempo fue un dinosaurio moribundo. Ojalá nos esperen nuevas maravillas.
_Entre las series recientes de animación más sorprendentes sobresale, por su alcance y longevidad "The Simpsons", creada por Matt Groening, que se emite desde 1987 y es la serie más duradera de todos los tiempos, adaptada al cine en "Los Simpson. La película" (2007) por David Silverman. También sorprenden series como los costumbristas e irreverentes cartoons de "Shin Chan" y sus varios largometrajes, la serie "Rugrats", emitida en los 90, que ha tenido continuación en varios largos; las ácidas críticas de "Beavis and Butthead" y "South Park", que en 1999 tuvo su largo "South Park: bigger, longer and uncut", cuyo título ya avisa de que no son dibujos para niños, lo que puede decirse de parte de la animación no sólo contemporánea, pues además de animaciones anónimas (atribuidas a reconocidos animadores de los años 20) como "Eveready Harton in Buried Treasure", de evidente carnalidad y desparpajo sexual, en 1971 la animación "Fritz the cat", de Ralph Bakshi, fue considerada X en EE.UU. No toda la animación son dibujos para niños, hay dibujos que no son para niños sino para adultos. Aún hoy siguen realizándose animaciones clandestinas de naturaleza sexual, aunque en la animación hentai japonesa se aborda abiertamente la sexualidad, incluso en 3D (CGI), con un realismo cada vez mayor.
_Muchos de los dibujos animados mencionados comenzaron siendo un boceto, una viñeta, una serie de dibujos, una tira cómica, parte de un storyboard... pero más allá de esto la verdad es que se han metido en nuestras vidas y con frecuencia nos han hecho más felices.
:::
_Walt Disney, gracias a la madurez de su organización, emprendió la realización de largometrajes de dibujos animados como "Blancanieves y los siete enanitos" (Snow White and the seven dwarfs, 1937). Disney emprendió con "Fantasía" (1940) un ambicioso experimento audiovisual, combinando imágenes con música clásica; para ello ideó un sistema de sonido estereofónico con cuatro pistas (Fantasound). Fantasía venía a inscribirse en el dibujo animado de vanguardia, que había conocido ya curiosas experiencias audiovisuales en Europa. Así, por ejemplo, "Une nuit sur le Mont Chavre" (1933) de Alexandre Alexeïeff y Claire Parker, con música de Musorgski, obra en que obtenía la animación mediante una pantalla de alfileres, cuyas cabezas componían las figuras en un estilo puntillista.
_Aunque todavía alcanzó maravillosas cotas creativas como "Peter Pan", un proyecto largamente anhelado por Walt Disney que vio la luz en
_En la Warner Bros., y en su mítica Termite Terrace, la creatividad fue en aumento y en 1940 hizo su debut el aún hoy popular Bugs Bunny, convirtiéndose en una leyenda durante los años 50 y 60 bajo la inspirada dirección de Tex Avery, Bob Clampett, Fritz Freleng y el maestro Chuck Jones, autor del Correcaminos, autohomenajeado en "The Bugs Bunny/Road Runner Movie" (1979), codirigida por Phil Monroe .
_Tex Avery destacó especialmente entre los gigantes del arte de la animación. Sus originales y creativos cortos de animación, en especial los producidos en
_En la vanguardia más creativa y sorprendente se situó, durante décadas, el genial Norman Mc Laren, que aunque nacido en Escocia desarrolló su fructífera carrera en el National Film Board de Canadá desde los 40, dejando un legado de obras memorables, de una brillantez admirable. Entre sus obras, auténticas obras maestras de la animación y del cine experimental, se encuentran "Begone dull care" (1949), "Neighbours" (1952), "Blinkity blank" (1953), "A chairy tale" (1957) y muchas más creaciones que aún hoy irradian un enorme talento y vitalidad.
_También hay que destacar a Ray Harryhausen, quien vio "King Kong" en 1933 y desde ese momento su obsesión por el trucaje, las miniaturas y los efectos no hicieron más que crecer. Tras diferentes trabajos, fue llamado por el viejo maestro Willis O’Brien (el “padre” de King Kong) para que fuese su ayudante. Sus primeros años se desarrollaron en producciones modestas hasta que a mediados de los 50, hizo "The Beast of 20000 fathoms", pero su mayor éxito llegaría de la mano de Simbad, su personaje favorito. A finales de los 50 comenzó un ciclo de aventuras exóticas mostrando especial predilección por el mundo árabe y mitológico. Sus espectrales esqueletos andantes, como en el extraordinario duelo de Simbad contra el esqueleto en el El 71/4 viaje de Simbad, son auténticas obras maestras. También hay que destacar la increíble película de ciencia-ficción animada "El planeta salvaje", de René Laloux (1973) en la que los seres humanos son víctimas de otra especie. Otro clásico memorable fue "Allegro non troppo" (1976) de Bruno Bozzetto, que enlaza con mucha originalidad clásicos de la música sinfónica y una animación llena de la personalidad desbordante de su autor. Una obra maestra de la animación.
_Entre lo más logrado de las últimas décadas están las maravillosas, vivas y luminosas animaciones del francés Michel Ocelot, creador de "Kirikú y la bruja"(1998), maravillosa joya de la animación, "Kirikú y las bestias salvajes" (2005), deliciosa continuación de las aventuras de Kirikú, y la fábula "Azur y Asmar" (2006), creada con medios digitales. Tesoros llenos de alegría, ingenio y bondad. Y tampoco se pueden olvidar las joyas de la animación del también francés Sylvain Chomet, como "Bienvenidos a Belleville" (2003) y la maravillosa "El ilusionista" (2010) basada en un guión del genial Jacques Tati.
_
_Entre las series recientes de animación más sorprendentes sobresale, por su alcance y longevidad "The Simpsons", creada por Matt Groening, que se emite desde 1987 y es la serie más duradera de todos los tiempos, adaptada al cine en "Los Simpson. La película" (2007) por David Silverman. También sorprenden series como los costumbristas e irreverentes cartoons de "Shin Chan" y sus varios largometrajes, la serie "Rugrats", emitida en los 90, que ha tenido continuación en varios largos; las ácidas críticas de "Beavis and Butthead" y "South Park", que en 1999 tuvo su largo "South Park: bigger, longer and uncut", cuyo título ya avisa de que no son dibujos para niños, lo que puede decirse de parte de la animación no sólo contemporánea, pues además de animaciones anónimas (atribuidas a reconocidos animadores de los años 20) como "Eveready Harton in Buried Treasure", de evidente carnalidad y desparpajo sexual, en 1971 la animación "Fritz the cat", de Ralph Bakshi, fue considerada X en EE.UU. No toda la animación son dibujos para niños, hay dibujos que no son para niños sino para adultos. Aún hoy siguen realizándose animaciones clandestinas de naturaleza sexual, aunque en la animación hentai japonesa se aborda abiertamente la sexualidad, incluso en 3D (CGI), con un realismo cada vez mayor.
_Muchos de los dibujos animados mencionados comenzaron siendo un boceto, una viñeta, una serie de dibujos, una tira cómica, parte de un storyboard... pero más allá de esto la verdad es que se han metido en nuestras vidas y con frecuencia nos han hecho más felices.
:::
2- cucarachas de cera, entrañables muñecos y animación con plastilina: la stop-motion
_En el este de Europa el ruso Ladislas Strarevich, un apasionado de la entomología, produce en Moscú durante 1909 y 1910 documentales acerca de los insectos lituanos; vistas las condiciones de trabajo, decidió crear cucarachas “virtuales” articulándolas uniendo las patas al tórax con cera. Ese primer film fue una obra sin precedentes: "La batalla de las cucarachas macho", fue la primera película de muñecos. Starevich volvió locos a sus contemporáneos presentando documentos increíbles de insectos que peleaban por una cuestión de honor o montaban en bicicleta. Eran muñequitos animados. Su elaborada animación de muñecos es también magistral en "La venganza del cámara" (1912). La revolución rusa le forzó a emigrar a París en 1920, donde sería conocido como Ladislas y donde pasó el resto de su vida diseñando y realizando sus películas -como la magistral "Le roman de renard" (1937)-, rechazando ofertas de la potente industria cinematográfica norteamericana.
_Entre los pioneros son importantes las animaciones de formas abstractas desarrolladas por Viking Eggeling, Walter Ruttman, Hans Richter, y Oskar Fischinger durante la década de 1920 en Alemania, donde Lotte Reiniger produjo el largometraje de animación: "Las aventuras del príncipe Ahmed" (1926), empleando la técnica de personajes de silueta articulada que ella misma había desarrollado desde 1916.
_Otro pionero fue George Pal, quien, primero en Holanda durante los 30, y luego en EE.UU. en los 40 y 50 creó un nuevo modo de animar muñecos. Con su serie titulada "Puppetoons" (homenajeada en "The puppetoon movie" (1987) por Arnold Leibovit, con trabajos de George Pal) creó los títeres con partes móviles. Su aportación al mundo de la animación fue imprescindible. En sus películas cada marioneta constaba de cientos de cabezas, brazos y piernas, y así se permitía una rica gama de posibilidades expresivas: podía cambiar las caras, por ejemplo, y con ello sus personajes no se limitaban a mostrar una única expresión. Método que sigue siendo utilizado en la actualidad.
_En Europa, ya en los 50 encontramos series infantiles animadas a través de muñecos de trapo o cartón en países como Gran Bretaña, Francia, Holanda, Checoslovaquia, en series muy famosas, algunas incluso populares al otro lado del planeta, creando con esto también una gran cadena de merchandising. Aunque el intercambio también se da al contrario a través de la saga de Jim Henson y de series o programas como "Barrio Sésamo" (1969) o "Fraggle Rock" (1983), autor también de "The Hoobs" o "Dinasours2, pero que merece pasar a la historia por el maravilloso largometraje "Cristal oscuro" (1982) en el que Jim Henson y Frank Oz dieron vida a un mundo basado en los cuentos de hadas con una portentosa e inolvidable imaginación.
_Merecen capítulo aparte los hermanos Quay, cuyas animaciones empleando la técnica stop-motion adquieren tonos lúgubres, sombríos y fascinantes abordando una imaginería inquietante y magnética en trabajos tan logrados como "Nocturna artificialia" (1975), "The epic of Gilgamesh" (1985) "Street of crocodiles" (1986) o "In absentia" (2000), en el que recurren a una partitura musical de Stockhausen. Su obra, filigrana gótica y arrebatadora, sigue siendo objeto de culto y devoción dada su innegable y poderosa fuerza visual.
_En Gran Bretaña existen animaciones dirigidas al público más joven como la mítica "Postman Pat", creada por Ivor Wood parala BBC en los años 60, basadas en las historias de John Cunliffe sobre un cartero y su gato Jess, que recorren el plácido pueblecito de Greendale's. Otro protagonista muy popular es "Paddington el oso", sacado del libro escrito por Michael Bond, "A bear called Paddington" que narra la historia de este osito venido desde el Perú y adoptado en Inglaterra, quedándose a vivir con Mister y Miss Brown, que le dan el nombre de una de las principales paradas del metro de Londres. También destaca "La locomotora Thomas" (Thomas the tank engine) creada por el reverendo Wilbert Awdry, quien de pequeño disfrutaba escuchando partir los trenes, y que de mayor contaba esas historias a su hijo, que continuó la saga cuando él se retiró. La producción televisiva la realizó Britt Allcroft, que se encargó de darla a conocer en el mundo entero.
_Y también en Gran Bretaña hubieron animaciones dirigidas a un público más mayor, en las que destacaron Gerry y Silvia Anderson, creadores de series como "Thunderbirds" o "Joe 90", entre otras. Fundaron la compañía AP Films con ayuda de los técnicos Reg Hill y John Read, a principios de los 60. En los 80 volvieron con otras series, pero no tuvieron tanto éxito. Las historias se solían desarrollar en naves espaciales en las que los protagonistas combatían contra perversos alienígenas. La técnica consistía en un mecanismo mediante el cual los personajes movían los labios sincronizándolos con las palabras. Hill y Read encontraron un método cómodo para la ejecución de este movimiento: colocar el mecanismo en el pecho de los muñecos y evitar que lo que pesara fuera la cabeza.
_En Francia el títere más recordado es "Colargol" (Barnaby the bear en inglés), un oso que nace de la imaginación del matrimonio Olga Pouchine y Albert Barillé, que crean el personaje para entretener a sus retoños, y que acaban dejando la historia en manos del polaco Tadeuzs Wilkoz que lanza la serie al éxito en los 70.
_En Checoslovaquia varias generaciones crecieron con "Mi´s Uszatek2 (Nalle Luppakorva, posteriormente) que narra la vida de un oso que vive en una aldea y su grupo de amigos y compañeros. Y al final de cada capítulo el protagonista se despide desde su cuarto ya en pijama, apagando la luz y echándose a dormir, con hermosa cancioncilla final. También destacó, en los 70, la serie "Nukkumatti", sobre un niño y sus aventuras, realizada por Gerhardt Behrendt.
_Aunque los grandes maestros del títere en Checoslovaquia fueron Jiri Trnka y Karel Zernan, quienes inspiraron y abrieron el camino a animadores de todo el mundo. A Jiri Trnka se le consideró, con una comparación bastante torpe, el "Walt Disney del Este", aunque su talento e importancia eran comparables sus películas se dirigían a un público más adulto, y su estilo mucho más sombrío y retorcido, debido a su grandilocuencia a la hora de narrar paisajes que igual podrían formar parte de un sueño o de una pesadilla. A través de claro-oscuros, sus entornos podían llegar a tener un aire siniestro. Sus obras, como "El regalo" o "El ruiseñor y el emperador" (1948), entre otras, crearon escuela en todo el mundo. Karel Zerman, aunque menos conocido, pero de gran talento e importancia, trabajaba también en solitario y fue un de los autor ochocentista, dirigiendo obras como la obra maestra "Un invento diabólico" (1958) o "El barón fantástico" (1961), de exquisita brillantez visual, dónde mezclaba objetos reales, dibujos y elementos animados, y que también dejó una profunda marca en generaciones posteriores.
_En Holanda fueron importantes programas como "The Fabler paper" (De Fabeltjeskrant), con más de sesenta personajes creados por Leen Valkenier y Thijs Chanowski en 1968, entre los que destacaban Droes The Bear, Chico Lama... Basado en las fábulas deLa Fontaine , en cada historia había una moraleja. Aunque la gracia de la serie radica en sus muñecos de ropa. Alcanzó gran popularidad entre el público más joven, y aunque después dejó de emitirse, resurgió en el 85 y duró unos cuantos años más.
_En Japón el maestro de las marionetas por excelencia es Kihachiro Kawamoto, cuya larga carrera, que empezó (y aún continúa) en los 50, incluye títulos de un acabado maravilloso, basados en la tradición japonesa, como "La diablesa" (1972), o recientemente "Días de invierno" (2003) y la maravillosa obra maestra "Shisha no osho" (2005).
_Una animación con marionetas de carácter transgresor, salvaje, exagerado... fue "Meet the Feebles" (1989), dirigido a un público más adulto por el australiano Peter Jackson, que venía de dirigir films del sanguinolento género gore, y que con el tiempo se haría mundialmente famoso con la bella trilogía del señor de los anillos. Sin embargo quizá de lo más notable y exitoso de las últimas décadas corresponda al todavía poco reconocido Henry Selick, algo a la sombra de Tim Burton en "Pesadilla antes de Navidad" (1993), dirigida en realidad por Selick, y autor de la fantástica "Los mundos de Coraline" (2009), en la que Selick se consagra como un maestro de la stop-motion capaz de acercar al gran público obras valiosas.
_En nuestro país también encontramos animación con marionetas, como "Los Aurones", sobre unos aldeanos y su pacífica vida hasta que entran en conflicto con el villano que intenta apoderarse de sus bienes. Producida en 1986 y dirigida por Josep Ll. Viciana fue lanzada también en el extranjero. En esa época apareció el programa "La bola de cristal", en el que aparecían "Los Electroduendes", un grupo de “modernos” muñecos de trapo. Los inteligentes guiones eran de Santiago Alba y quien se encargó de dar vida y diseñar a los personajes fue Miguel Ángel Pacheco. Y actualmente, siguiendo la estela de los entrañables Electroduendes, encontramos a "Los Lunnis".
_Entre las técnicas modernas de animación y los entrañables muñecos de trapo surgió la animación con plastilina. En 1955 ya se podían ver las aventuras de "Gumby". Art Clokey filmó 127 capítulos (de 6 minutos) con este raro personaje, un rectángulo de color verde con dos patas y otro par de brazos, empeñado en destacar las bondades de la vida. Habría que esperar a Will Vinton para advertir la fuerza expresiva de este método. Vinton comenzó a trabajar la plastilina en los 60. Sus primeros trabajos ya mostraban un esfuerzo por sincronizar los labios de cada figura con la voz del doblaje y algunos ambiciosos desplazamientos de cámara, como zooms y panorámicas, que tuvo que crear cuadro a cuadro. En poco tiempo sus logros se hicieron cada vez más evidentes y su trabajo alcanzó gran popularidad. Vinton fundó unos grandes estudios (Will Vinton Studios, Inc, coproductora, de "La novia cadáver" (2005), de Mike Johnson y Tim Burton), creó una serie de éxito ("Las pasas de California") y trasladó su influencia a la publicidad y al mundo de los efectos especiales. En 1985 estrenó un film pionero de la claymation (animación con arcilla, plastilina, y materiales maleables): "Las aventuras de Mark Twain". Ahora mismo dirige y produce la serie de humor "The PJ's", que tiene una gran acogida. En todos sus proyectos Vinton ha demostrado una admirable atención al detalle creando un mundo en el que absolutamente todo está compuesto de plastilina.
_Pero la animación con plastilina es mayoritariamente conocida desde finales de los 70 sobre todo a través de los británicos de Aardman Animation, que se hicieron muy populares con sus cortos (especialmente la saga de "Wallace y Gromit", de Nick Park) y con el tiempo se lanzaron a la producción de exitosos y logrados largometrajes como "Evasión en la granja" (2000) del mismo director, y "Wallace y Gromit: La maldición de las verduras" (2005), de Nick Park y Steve Box.
_Un apartado especial merece el ruso Alexander Petrov, con sus obras maestras "La vaca" (1989) y "El viejo y el mar" (1999), en la que lleva su genialidad y laboriosidad a cotas memorables con su técnica de pintar con los dedos sobre cristal, nada más y nada menos que 29.000 veces, para alumbrar una adaptación del relato de Hemingway que es una joya entre las joyas. Un genio.
_Mientras, en España destaca la obra de Pablo Llorens y sus increíbles animaciones con plastilina en "Caracol, col, col" (1995) y recientemente en "El enigma del chico croqueta" (2004), y "Muerte y resurrección" (2001), de Rocío Huertas, en la que se combinan distintas técnicas de animación de manera soberbia.
_Todas estas técnicas, aunque parezcan primitivas, también crearon escuela dentro de la animación y siguen siendo utilizadas aunque sean muy laboriosas (se puede tardar más de un año en terminar, fotograma a fotograma, una animación con plastilina) y exijan mucha paciencia, perseverancia... pero, en realidad, además de la dedicación y el mérito que tienen, ¡sus resultados son maravillosos y nos han hecho felices tantas veces!
:::
_En el este de Europa el ruso Ladislas Strarevich, un apasionado de la entomología, produce en Moscú durante 1909 y 1910 documentales acerca de los insectos lituanos; vistas las condiciones de trabajo, decidió crear cucarachas “virtuales” articulándolas uniendo las patas al tórax con cera. Ese primer film fue una obra sin precedentes: "La batalla de las cucarachas macho", fue la primera película de muñecos. Starevich volvió locos a sus contemporáneos presentando documentos increíbles de insectos que peleaban por una cuestión de honor o montaban en bicicleta. Eran muñequitos animados. Su elaborada animación de muñecos es también magistral en "La venganza del cámara" (1912). La revolución rusa le forzó a emigrar a París en 1920, donde sería conocido como Ladislas y donde pasó el resto de su vida diseñando y realizando sus películas -como la magistral "Le roman de renard" (1937)-, rechazando ofertas de la potente industria cinematográfica norteamericana.
_Entre los pioneros son importantes las animaciones de formas abstractas desarrolladas por Viking Eggeling, Walter Ruttman, Hans Richter, y Oskar Fischinger durante la década de 1920 en Alemania, donde Lotte Reiniger produjo el largometraje de animación: "Las aventuras del príncipe Ahmed" (1926), empleando la técnica de personajes de silueta articulada que ella misma había desarrollado desde 1916.
_Otro pionero fue George Pal, quien, primero en Holanda durante los 30, y luego en EE.UU. en los 40 y 50 creó un nuevo modo de animar muñecos. Con su serie titulada "Puppetoons" (homenajeada en "The puppetoon movie" (1987) por Arnold Leibovit, con trabajos de George Pal) creó los títeres con partes móviles. Su aportación al mundo de la animación fue imprescindible. En sus películas cada marioneta constaba de cientos de cabezas, brazos y piernas, y así se permitía una rica gama de posibilidades expresivas: podía cambiar las caras, por ejemplo, y con ello sus personajes no se limitaban a mostrar una única expresión. Método que sigue siendo utilizado en la actualidad.
_En Europa, ya en los 50 encontramos series infantiles animadas a través de muñecos de trapo o cartón en países como Gran Bretaña, Francia, Holanda, Checoslovaquia, en series muy famosas, algunas incluso populares al otro lado del planeta, creando con esto también una gran cadena de merchandising. Aunque el intercambio también se da al contrario a través de la saga de Jim Henson y de series o programas como "Barrio Sésamo" (1969) o "Fraggle Rock" (1983), autor también de "The Hoobs" o "Dinasours2, pero que merece pasar a la historia por el maravilloso largometraje "Cristal oscuro" (1982) en el que Jim Henson y Frank Oz dieron vida a un mundo basado en los cuentos de hadas con una portentosa e inolvidable imaginación.
_Merecen capítulo aparte los hermanos Quay, cuyas animaciones empleando la técnica stop-motion adquieren tonos lúgubres, sombríos y fascinantes abordando una imaginería inquietante y magnética en trabajos tan logrados como "Nocturna artificialia" (1975), "The epic of Gilgamesh" (1985) "Street of crocodiles" (1986) o "In absentia" (2000), en el que recurren a una partitura musical de Stockhausen. Su obra, filigrana gótica y arrebatadora, sigue siendo objeto de culto y devoción dada su innegable y poderosa fuerza visual.
_En Gran Bretaña existen animaciones dirigidas al público más joven como la mítica "Postman Pat", creada por Ivor Wood para
_Y también en Gran Bretaña hubieron animaciones dirigidas a un público más mayor, en las que destacaron Gerry y Silvia Anderson, creadores de series como "Thunderbirds" o "Joe 90", entre otras. Fundaron la compañía AP Films con ayuda de los técnicos Reg Hill y John Read, a principios de los 60. En los 80 volvieron con otras series, pero no tuvieron tanto éxito. Las historias se solían desarrollar en naves espaciales en las que los protagonistas combatían contra perversos alienígenas. La técnica consistía en un mecanismo mediante el cual los personajes movían los labios sincronizándolos con las palabras. Hill y Read encontraron un método cómodo para la ejecución de este movimiento: colocar el mecanismo en el pecho de los muñecos y evitar que lo que pesara fuera la cabeza.
_En Francia el títere más recordado es "Colargol" (Barnaby the bear en inglés), un oso que nace de la imaginación del matrimonio Olga Pouchine y Albert Barillé, que crean el personaje para entretener a sus retoños, y que acaban dejando la historia en manos del polaco Tadeuzs Wilkoz que lanza la serie al éxito en los 70.
_En Checoslovaquia varias generaciones crecieron con "Mi´s Uszatek2 (Nalle Luppakorva, posteriormente) que narra la vida de un oso que vive en una aldea y su grupo de amigos y compañeros. Y al final de cada capítulo el protagonista se despide desde su cuarto ya en pijama, apagando la luz y echándose a dormir, con hermosa cancioncilla final. También destacó, en los 70, la serie "Nukkumatti", sobre un niño y sus aventuras, realizada por Gerhardt Behrendt.
_Aunque los grandes maestros del títere en Checoslovaquia fueron Jiri Trnka y Karel Zernan, quienes inspiraron y abrieron el camino a animadores de todo el mundo. A Jiri Trnka se le consideró, con una comparación bastante torpe, el "Walt Disney del Este", aunque su talento e importancia eran comparables sus películas se dirigían a un público más adulto, y su estilo mucho más sombrío y retorcido, debido a su grandilocuencia a la hora de narrar paisajes que igual podrían formar parte de un sueño o de una pesadilla. A través de claro-oscuros, sus entornos podían llegar a tener un aire siniestro. Sus obras, como "El regalo" o "El ruiseñor y el emperador" (1948), entre otras, crearon escuela en todo el mundo. Karel Zerman, aunque menos conocido, pero de gran talento e importancia, trabajaba también en solitario y fue un de los autor ochocentista, dirigiendo obras como la obra maestra "Un invento diabólico" (1958) o "El barón fantástico" (1961), de exquisita brillantez visual, dónde mezclaba objetos reales, dibujos y elementos animados, y que también dejó una profunda marca en generaciones posteriores.
_En Holanda fueron importantes programas como "The Fabler paper" (De Fabeltjeskrant), con más de sesenta personajes creados por Leen Valkenier y Thijs Chanowski en 1968, entre los que destacaban Droes The Bear, Chico Lama... Basado en las fábulas de
_En Japón el maestro de las marionetas por excelencia es Kihachiro Kawamoto, cuya larga carrera, que empezó (y aún continúa) en los 50, incluye títulos de un acabado maravilloso, basados en la tradición japonesa, como "La diablesa" (1972), o recientemente "Días de invierno" (2003) y la maravillosa obra maestra "Shisha no osho" (2005).
_Una animación con marionetas de carácter transgresor, salvaje, exagerado... fue "Meet the Feebles" (1989), dirigido a un público más adulto por el australiano Peter Jackson, que venía de dirigir films del sanguinolento género gore, y que con el tiempo se haría mundialmente famoso con la bella trilogía del señor de los anillos. Sin embargo quizá de lo más notable y exitoso de las últimas décadas corresponda al todavía poco reconocido Henry Selick, algo a la sombra de Tim Burton en "Pesadilla antes de Navidad" (1993), dirigida en realidad por Selick, y autor de la fantástica "Los mundos de Coraline" (2009), en la que Selick se consagra como un maestro de la stop-motion capaz de acercar al gran público obras valiosas.
_En nuestro país también encontramos animación con marionetas, como "Los Aurones", sobre unos aldeanos y su pacífica vida hasta que entran en conflicto con el villano que intenta apoderarse de sus bienes. Producida en 1986 y dirigida por Josep Ll. Viciana fue lanzada también en el extranjero. En esa época apareció el programa "La bola de cristal", en el que aparecían "Los Electroduendes", un grupo de “modernos” muñecos de trapo. Los inteligentes guiones eran de Santiago Alba y quien se encargó de dar vida y diseñar a los personajes fue Miguel Ángel Pacheco. Y actualmente, siguiendo la estela de los entrañables Electroduendes, encontramos a "Los Lunnis".
_Entre las técnicas modernas de animación y los entrañables muñecos de trapo surgió la animación con plastilina. En 1955 ya se podían ver las aventuras de "Gumby". Art Clokey filmó 127 capítulos (de 6 minutos) con este raro personaje, un rectángulo de color verde con dos patas y otro par de brazos, empeñado en destacar las bondades de la vida. Habría que esperar a Will Vinton para advertir la fuerza expresiva de este método. Vinton comenzó a trabajar la plastilina en los 60. Sus primeros trabajos ya mostraban un esfuerzo por sincronizar los labios de cada figura con la voz del doblaje y algunos ambiciosos desplazamientos de cámara, como zooms y panorámicas, que tuvo que crear cuadro a cuadro. En poco tiempo sus logros se hicieron cada vez más evidentes y su trabajo alcanzó gran popularidad. Vinton fundó unos grandes estudios (Will Vinton Studios, Inc, coproductora, de "La novia cadáver" (2005), de Mike Johnson y Tim Burton), creó una serie de éxito ("Las pasas de California") y trasladó su influencia a la publicidad y al mundo de los efectos especiales. En 1985 estrenó un film pionero de la claymation (animación con arcilla, plastilina, y materiales maleables): "Las aventuras de Mark Twain". Ahora mismo dirige y produce la serie de humor "The PJ's", que tiene una gran acogida. En todos sus proyectos Vinton ha demostrado una admirable atención al detalle creando un mundo en el que absolutamente todo está compuesto de plastilina.
_Pero la animación con plastilina es mayoritariamente conocida desde finales de los 70 sobre todo a través de los británicos de Aardman Animation, que se hicieron muy populares con sus cortos (especialmente la saga de "Wallace y Gromit", de Nick Park) y con el tiempo se lanzaron a la producción de exitosos y logrados largometrajes como "Evasión en la granja" (2000) del mismo director, y "Wallace y Gromit: La maldición de las verduras" (2005), de Nick Park y Steve Box.
_Un apartado especial merece el ruso Alexander Petrov, con sus obras maestras "La vaca" (1989) y "El viejo y el mar" (1999), en la que lleva su genialidad y laboriosidad a cotas memorables con su técnica de pintar con los dedos sobre cristal, nada más y nada menos que 29.000 veces, para alumbrar una adaptación del relato de Hemingway que es una joya entre las joyas. Un genio.
_Mientras, en España destaca la obra de Pablo Llorens y sus increíbles animaciones con plastilina en "Caracol, col, col" (1995) y recientemente en "El enigma del chico croqueta" (2004), y "Muerte y resurrección" (2001), de Rocío Huertas, en la que se combinan distintas técnicas de animación de manera soberbia.
_Todas estas técnicas, aunque parezcan primitivas, también crearon escuela dentro de la animación y siguen siendo utilizadas aunque sean muy laboriosas (se puede tardar más de un año en terminar, fotograma a fotograma, una animación con plastilina) y exijan mucha paciencia, perseverancia... pero, en realidad, además de la dedicación y el mérito que tienen, ¡sus resultados son maravillosos y nos han hecho felices tantas veces!
:::
3- la animación japonesa
_El anime se ha convertido en el eje de la industria cinematográfica nipona, caracterizándose por abarcar todo tipo de temas y por buscar también un público adulto receptivo hacia sus mensajes, que pueden llegar a tener un contenido violento o erótico como en el hentai. La fuente de esta variedad hay que buscarla en las mismas raíces de la cultura japonesa, que desde el siglo XIV cuenta con una importante tradición de literatura gráfica, que se expresa a través de tablas pintadas y papiros ilustrados que narran historias de samuráis y leyendas tradicionales. Probablemente por este motivo, el cine de animación tuvo unos inicios tempranos en Japón. De hecho, las primeras películas animadas de las que se tiene constancia datan del año 1917. Se trata de cintas silentes de un solo rollo (entre 5 y 15 minutos), desarrolladas por autores como Oten Shimokawa, Seitaro Kitayama o Sanae Yamamoto. El género conocería una primera expansión a lo largo dela Segunda Guerra Mundial, años en los que el cine de animación se convirtió en un importante instrumento para la propaganda gubernamental. Los primeros dibujos animados en color no aparecieron hasta 1955. Aunque en 1959 ya se empezó a exportar animación japonesa con el film "Shonen sarutobi sasuke" dirigido por Taiji Yabushita y Akira Daikuhara.
_Sin embargo, el auge definitivo del anime llegaría de la mano de otro fenómeno cultural puramente japonés: el desarrollo del manga. Auspiciado por el dibujante Osamu Tezuka, el manga combina las influencias de las ilustraciones tradicionales japonesas y del cómic estadounidense. Los rasgos esquemáticos y occidentalizados de sus personajes llegaron a la gran pantalla por primera vez en 1960 gracias a "Alakazam el grande", una adaptación de Taiji Yabushita del exitoso manga de Tezuka.
_El primer anime creado en Japón se cree que es la película Hakujaden (La leyenda de la serpiente Blanca) que aparece en 1958; seguida por Hyoutan Suzume. El primer anime para la televisión fue “Mittsu no Hanashi” que aparece en 1961, seguido por "Instant History" en el año de 1962. También se considera que "La princesa encantada"(1968) de Isao Takahata (fundador de Ghibli junto a Miyazaki) representa la carta fundacional del género y puede considerarse el Ciudadano Kane de la animación nipona.
_Pero fue el maestro Osamu Tezuka quien protagonizó la gran explosión del anime. Autor de mangas inmensamente prolífico, adaptó varias de sus propias obras, consiguiendo un éxito absoluto con la serie de televisión "Astroboy", que definió los rasgos habituales del anime: animación limitada, dirección a imitación del cine de imagen real, vínculo entre la industria de la animación y la del cómic. Tezuka, un huracán creativo, también realizó largometrajes como "Unico" (1981) -codirigido con Toshio Hirata- bellísimo film sobre el mítico unicornio, y magníficos cortos experimentales como "Saltando" (1984). Tezuka entró en el mundo de la animación en 1963, creando el estudio Mushi Productions. Centrado en la producción de dibujos animados para televisión, la compañía logró su primer éxito internacional con las aventuras del niño-robot Astroboy, uno de los personajes más populares de Tezuka. Esta serie abriría las puertas a la animación japonesa para dominar la producción de dibujos animados para televisión en todo el mundo, que se consolidó en las décadas siguientes, y hasta nuestros días, con éxitos (de varios autores) como "Heidi", "Marco", "La abeja Maya", "Mazinger Z", "Campeones", "Bola de dragón", "Pokemon"...
_Durante los años 60 el anime fue habitual en las salas de cine, pero en la década siguiente quedó confinado a la televisión. También hubo notables animadores independientes como Yoji Kuri con "Ala Hacer" (1967). Yoji Kuri fue el primer animador japonés que consiguió renombre internacional en los festivales de los años 60 y 70. También destacó el animador Kenzo Kinoshita con su obra "Pica-Don" (1978), en la que muestra, despertando conciencias, el horror de la bomba atómica de Hiroshima.
_A lo largo de las décadas de los 60 y los 70, la mayor parte de la producción de anime estuvo dedicada a la pequeña pantalla. No obstante, la tendencia empieza a cambiar a principios de los 80, con la entrada en escena de Isao Takahata y Hayao Miyazaki. Curtidos en series de animación como "Marco" o "Heidi", ambos decidieron fundar en 1983 el Estudio Ghibli, para producir sus propios largometrajes cinematográficos. De este modo, el maestro Hayao Miyazaki pudo escribir y dirigir maravillosas películas como "Nausicaa, el valle del viento" (1983), "Mi vecino Totoro" (1988) -reestrenada en cines 20 años después-, "Porco Rosso" (1992), "La princesa Mononoke" (1996), la obra maestra "El viaje de Chihiro" (2002), "El castillo ambulante" (2004) y "Ponyo en el acantilado" (2008). Todas ellas alcanzaron una difusión internacional considerable, situando a Miyazaki en primera línea del cine de animación mundial. Por su parte, Isao Takahata ha realizado para Ghibli títulos como "La tumba de las luciérnagas" (1988) o "Pom Poko" (1994), que representó a su país en los óscar.
_Aunque el éxito internacional del anime tuvo su gran explosión en 1988, con el estreno de "Akira", de Katsuhiro Otomo, basado en un manga del propio director y este thriller puso de moda el anime en todo el mundo, las obras maestras de Miyazaki y Takahata y films como "Ghost in the Shell" (1994) de Mamoru Oshii, "Metrópolis" (2001) de Rintaro, "Mind game" (2004) de Maasaki Yuasa o las obras magistrales de Satoshi Kon -"Perfect blue" (1998), "Millenium actress" (2001), "Tokyo godfathers" (2003), y "Paprika" (2006)- han mostrado la creatividad nipona al mundo entero. Tras el Oso de Oro ganado por "El viaje de Chihiro", la mayor obra maestra de Miyazaki, inclusola Filmoteca Española organizó un ciclo con el que se demuestra que el anime es un género cada vez más respetable, admirable y digno de atención, pues el anime es ya cine adulto (y no me refiero al sexual hentai) capaz de abordar con talento las motivaciones y complejidades humanas.
:::
_El anime se ha convertido en el eje de la industria cinematográfica nipona, caracterizándose por abarcar todo tipo de temas y por buscar también un público adulto receptivo hacia sus mensajes, que pueden llegar a tener un contenido violento o erótico como en el hentai. La fuente de esta variedad hay que buscarla en las mismas raíces de la cultura japonesa, que desde el siglo XIV cuenta con una importante tradición de literatura gráfica, que se expresa a través de tablas pintadas y papiros ilustrados que narran historias de samuráis y leyendas tradicionales. Probablemente por este motivo, el cine de animación tuvo unos inicios tempranos en Japón. De hecho, las primeras películas animadas de las que se tiene constancia datan del año 1917. Se trata de cintas silentes de un solo rollo (entre 5 y 15 minutos), desarrolladas por autores como Oten Shimokawa, Seitaro Kitayama o Sanae Yamamoto. El género conocería una primera expansión a lo largo de
_Sin embargo, el auge definitivo del anime llegaría de la mano de otro fenómeno cultural puramente japonés: el desarrollo del manga. Auspiciado por el dibujante Osamu Tezuka, el manga combina las influencias de las ilustraciones tradicionales japonesas y del cómic estadounidense. Los rasgos esquemáticos y occidentalizados de sus personajes llegaron a la gran pantalla por primera vez en 1960 gracias a "Alakazam el grande", una adaptación de Taiji Yabushita del exitoso manga de Tezuka.
_El primer anime creado en Japón se cree que es la película Hakujaden (La leyenda de la serpiente Blanca) que aparece en 1958; seguida por Hyoutan Suzume. El primer anime para la televisión fue “Mittsu no Hanashi” que aparece en 1961, seguido por "Instant History" en el año de 1962. También se considera que "La princesa encantada"(1968) de Isao Takahata (fundador de Ghibli junto a Miyazaki) representa la carta fundacional del género y puede considerarse el Ciudadano Kane de la animación nipona.
_Pero fue el maestro Osamu Tezuka quien protagonizó la gran explosión del anime. Autor de mangas inmensamente prolífico, adaptó varias de sus propias obras, consiguiendo un éxito absoluto con la serie de televisión "Astroboy", que definió los rasgos habituales del anime: animación limitada, dirección a imitación del cine de imagen real, vínculo entre la industria de la animación y la del cómic. Tezuka, un huracán creativo, también realizó largometrajes como "Unico" (1981) -codirigido con Toshio Hirata- bellísimo film sobre el mítico unicornio, y magníficos cortos experimentales como "Saltando" (1984). Tezuka entró en el mundo de la animación en 1963, creando el estudio Mushi Productions. Centrado en la producción de dibujos animados para televisión, la compañía logró su primer éxito internacional con las aventuras del niño-robot Astroboy, uno de los personajes más populares de Tezuka. Esta serie abriría las puertas a la animación japonesa para dominar la producción de dibujos animados para televisión en todo el mundo, que se consolidó en las décadas siguientes, y hasta nuestros días, con éxitos (de varios autores) como "Heidi", "Marco", "La abeja Maya", "Mazinger Z", "Campeones", "Bola de dragón", "Pokemon"...
_Durante los años 60 el anime fue habitual en las salas de cine, pero en la década siguiente quedó confinado a la televisión. También hubo notables animadores independientes como Yoji Kuri con "Ala Hacer" (1967). Yoji Kuri fue el primer animador japonés que consiguió renombre internacional en los festivales de los años 60 y 70. También destacó el animador Kenzo Kinoshita con su obra "Pica-Don" (1978), en la que muestra, despertando conciencias, el horror de la bomba atómica de Hiroshima.
_A lo largo de las décadas de los 60 y los 70, la mayor parte de la producción de anime estuvo dedicada a la pequeña pantalla. No obstante, la tendencia empieza a cambiar a principios de los 80, con la entrada en escena de Isao Takahata y Hayao Miyazaki. Curtidos en series de animación como "Marco" o "Heidi", ambos decidieron fundar en 1983 el Estudio Ghibli, para producir sus propios largometrajes cinematográficos. De este modo, el maestro Hayao Miyazaki pudo escribir y dirigir maravillosas películas como "Nausicaa, el valle del viento" (1983), "Mi vecino Totoro" (1988) -reestrenada en cines 20 años después-, "Porco Rosso" (1992), "La princesa Mononoke" (1996), la obra maestra "El viaje de Chihiro" (2002), "El castillo ambulante" (2004) y "Ponyo en el acantilado" (2008). Todas ellas alcanzaron una difusión internacional considerable, situando a Miyazaki en primera línea del cine de animación mundial. Por su parte, Isao Takahata ha realizado para Ghibli títulos como "La tumba de las luciérnagas" (1988) o "Pom Poko" (1994), que representó a su país en los óscar.
_Aunque el éxito internacional del anime tuvo su gran explosión en 1988, con el estreno de "Akira", de Katsuhiro Otomo, basado en un manga del propio director y este thriller puso de moda el anime en todo el mundo, las obras maestras de Miyazaki y Takahata y films como "Ghost in the Shell" (1994) de Mamoru Oshii, "Metrópolis" (2001) de Rintaro, "Mind game" (2004) de Maasaki Yuasa o las obras magistrales de Satoshi Kon -"Perfect blue" (1998), "Millenium actress" (2001), "Tokyo godfathers" (2003), y "Paprika" (2006)- han mostrado la creatividad nipona al mundo entero. Tras el Oso de Oro ganado por "El viaje de Chihiro", la mayor obra maestra de Miyazaki, incluso
:::
4- la animación digital
_En 1964 Ken Knowlon de Bell Laboratories comenzó a desarrollar técnicas informáticas para producir películas animadas. En 1967 se dirigieron "Cibernetics 5.3", primer film de animación por ordenador creado para UCLA Animation Workshop, y "Permutations" de John Whitney. En 1982, "Tron", una aventajada producción de Disney (aunque no se trataba de una película de animación) incluyó 15 minutos de animación por ordenador, aunque el primer largometraje de animación digital que se estrenó comercialmente fue "Toy Story" (1995), realizada por Pixar, los estudios del bebé flexo.
_"Toy Story" obtuvo un inmenso éxito y demostró la viabilidad de este tipo de producciones. Pronto se sumó a la pugna el estudio Dreamworks, que en 1998 estrenó "Hormigaz", la segunda película generada por ordenador. Este filme fundó las bases del estilo de animación Dreamworks, con un guión inteligente y lleno de humor.
_La aportación de los estudios Pixar a la historia del cine de animación es comparable con la de Disney en los 30, su socio hasta hace poco. Sus películas son capaces de hacer que los padres se lo pasen mejor que sus hijos cuando los llevan al cine. Sus trabajos son ya clásicos modernos: los dos Toy Story, "Bichos", "Monstruos S.A.", "Buscando a Nemo", "Los increíbles"...
_El alma de los estudios Pixar es John Lasseter, que comenzó trabajando como animador para Disney. Suya fue la primera película de animación digital que optó al óscar y suyo el primer largometraje que ganó la recién creada categoría de mejor largo de animación: "Toy Story" (John Lasseter-Andrew Stanton, 1995). Su secreto ha sido combinar innovación tecnológica, técnicas de rodaje ajenas al cine animado y magníficos guiones, con un humor irresistible y una pizca de irreverencia.
_Además de sus populares largometrajes, Pixar ha creado media docena de cortos trascendentales para entender la evolución de la animación por ordenador. De 1984 es su primer trabajo en 3-D, "Las aventuras de André y Wally B". (The Adventures of André & Wally B., John Lasseter, 1984). Después con "Luxo Jr." (John Lasseter, 1986) logró la primera candidatura al mejor corto de animación en los óscars y creó el flexo bebé que se convirtió en símbolo de Pixar. Su primer personaje orgánico fue el payaso Lumpy de "El sueño de Red" (Red's dream, John Lasseter, 1987), corto en el que ensaya con secuencias nocturnas y lluvia. El óscar llegó con su siguiente corto, "Tin toy" (John Lasseter, 1988), una historia de juguetes animados que anticipa Toy Story.
_Toy Story es mucho más que una película infantil, pues a su impresionante despliegue técnico hay que sumar un magistral guión –el primero de animación candidato al óscar- con diálogos ingeniosos, chistes inteligentes, referencias a clásicos del cine, y los personajes tienen las flaquezas, la vanidad y el heroísmo de los seres humanos.
_La secuela: "Toy Story 2" (John Lasseter-Ash Brannon-Lee Unkrich, 1999) también fue un éxito. Pixar, con la fuerza de su alianza con Disney, fue la principal referencia para el cine de animación, aunque se encontró con la aparición de Dreamworks SKG. Desde entonces han mantenido una lucha por la hegemonía en el mundo de los animación digital. Los primeros han demostrado su creatividad en títulos como "Toy Story 2", "Bichos", "Monstruos S.A." o "Buscando a Nemo". Aunque Dreamworks no le ha ido a la zaga con "Shrek", "Shrek 2", y "Hormigaz", una brillantísima e irreverente cinta en la que un hormiguero es el escenario. El lanzamiento de "Hormigaz" (Eric Darnell-Jim Thomson, 1998) coincidió con un proyecto de Pixar muy parecido: "Bichos" (John Lasseter-Dean Stanton 1998). Una curiosidad que incluyó Pixar al final de la película fue incluir unas desternillantes tomas falsas, algo que tiene miga tratándose de películas de animación.
_En 2001 Pixar estrena "Monstuos S.A." (Peter Docter-David Silverman-Lee Unkrich. 2001) y Dreamworks la sorprendente "Shrek" (Andrew Adamson-Vicky Jenson, 2001). Después llegaría "Buscando a Nemo" (Andrew Stanton-Lee Unkrich, 2003). Las navidades de 2004 fueron las de una familia de superhéroes para la que su vida es una condena a convivir con la mediocridad: "Los increíbles". Con formidables secuencias de acción, "Los increíbles" es una visión del heroísmo, tanto el superheroico como el diario y un contundente ataque al adocenamiento. También se estrenó con la película el corto "Saltando", enunciado en verso, que es un cruce de parábola bíblica y esos recitados que acompañaban a los bailes del Oeste protagonizado por ovejas, topos y un cruce de conejo y antílope. Surrealista.
_Hay que citar la producción de Disney, continuadora del clásico, "Fantasía 2000", realizada en 1999 en la que siguiendo la idea del original, se crean animaciones, esta vez digitales, en las que se combinan composiciones de música clásica con imágenes a veces muy logradas.
_Los otros estudios se resisten a quedar rezagados y producen "La edad del hielo" (Fox), "Final Fantasy" (Columbia) o "Jimmy Neutron" (Paramount), yla Warner con "The Polar Express" (2004), de Robert Zemeckis, en la que se utiliza la “performance capture”, mediante la que la interpretación real de un actor es captada por cámaras computerizadas para crear un personaje virtual. Así se pueden captar todos los movimientos y la sutileza de la expresión humana, hasta el más leve matiz, como la oscilación de un párpado, y simultáneamente movimientos faciales y corporales de múltiples actores en 3-D con una cobertura completa de 360º, lo que lleva a la animación a un resultado más realista y aún más capaz de transmitir emociones humanas.
_En los últimos años, Pixar ha continuado demostrando una creatividad y vitalidad artística asombrosa con títulos de la brillantez de "Ratatouille" (2007) de Brad Bird y Jan Pinkava, "Wall-E" (2008) de Andrew Stanton y "Up" (2009) de Pete Docter y Bob Peterson. Y el futuro promete nuevas maravillas.
_En España también se producen, y con éxito, dibujos animados por ordenador. El primer film de animación digital fue "El bosque animado" (2001) basado en la novela homónima, producido por la empresa gallega Dygra Films. Poco después Filmax se inició con "Pinocho 3000" (2002), una versión futurista del cuento de Collodi, y en la actualidad "Planet 51" (2009) es un éxito mundial de la animación digital española.
_La animación digital es un camino que abre muchas puertas a la animación, aunque las animaciones tradicionales no van a desaparecer y en ocasiones en una misma película se utilizan varias técnicas de animación.
* * * * *
_En 1964 Ken Knowlon de Bell Laboratories comenzó a desarrollar técnicas informáticas para producir películas animadas. En 1967 se dirigieron "Cibernetics 5.3", primer film de animación por ordenador creado para UCLA Animation Workshop, y "Permutations" de John Whitney. En 1982, "Tron", una aventajada producción de Disney (aunque no se trataba de una película de animación) incluyó 15 minutos de animación por ordenador, aunque el primer largometraje de animación digital que se estrenó comercialmente fue "Toy Story" (1995), realizada por Pixar, los estudios del bebé flexo.
_"Toy Story" obtuvo un inmenso éxito y demostró la viabilidad de este tipo de producciones. Pronto se sumó a la pugna el estudio Dreamworks, que en 1998 estrenó "Hormigaz", la segunda película generada por ordenador. Este filme fundó las bases del estilo de animación Dreamworks, con un guión inteligente y lleno de humor.
_La aportación de los estudios Pixar a la historia del cine de animación es comparable con la de Disney en los 30, su socio hasta hace poco. Sus películas son capaces de hacer que los padres se lo pasen mejor que sus hijos cuando los llevan al cine. Sus trabajos son ya clásicos modernos: los dos Toy Story, "Bichos", "Monstruos S.A.", "Buscando a Nemo", "Los increíbles"...
_El alma de los estudios Pixar es John Lasseter, que comenzó trabajando como animador para Disney. Suya fue la primera película de animación digital que optó al óscar y suyo el primer largometraje que ganó la recién creada categoría de mejor largo de animación: "Toy Story" (John Lasseter-Andrew Stanton, 1995). Su secreto ha sido combinar innovación tecnológica, técnicas de rodaje ajenas al cine animado y magníficos guiones, con un humor irresistible y una pizca de irreverencia.
_Además de sus populares largometrajes, Pixar ha creado media docena de cortos trascendentales para entender la evolución de la animación por ordenador. De 1984 es su primer trabajo en 3-D, "Las aventuras de André y Wally B". (The Adventures of André & Wally B., John Lasseter, 1984). Después con "Luxo Jr." (John Lasseter, 1986) logró la primera candidatura al mejor corto de animación en los óscars y creó el flexo bebé que se convirtió en símbolo de Pixar. Su primer personaje orgánico fue el payaso Lumpy de "El sueño de Red" (Red's dream, John Lasseter, 1987), corto en el que ensaya con secuencias nocturnas y lluvia. El óscar llegó con su siguiente corto, "Tin toy" (John Lasseter, 1988), una historia de juguetes animados que anticipa Toy Story.
_Toy Story es mucho más que una película infantil, pues a su impresionante despliegue técnico hay que sumar un magistral guión –el primero de animación candidato al óscar- con diálogos ingeniosos, chistes inteligentes, referencias a clásicos del cine, y los personajes tienen las flaquezas, la vanidad y el heroísmo de los seres humanos.
_La secuela: "Toy Story 2" (John Lasseter-Ash Brannon-Lee Unkrich, 1999) también fue un éxito. Pixar, con la fuerza de su alianza con Disney, fue la principal referencia para el cine de animación, aunque se encontró con la aparición de Dreamworks SKG. Desde entonces han mantenido una lucha por la hegemonía en el mundo de los animación digital. Los primeros han demostrado su creatividad en títulos como "Toy Story 2", "Bichos", "Monstruos S.A." o "Buscando a Nemo". Aunque Dreamworks no le ha ido a la zaga con "Shrek", "Shrek 2", y "Hormigaz", una brillantísima e irreverente cinta en la que un hormiguero es el escenario. El lanzamiento de "Hormigaz" (Eric Darnell-Jim Thomson, 1998) coincidió con un proyecto de Pixar muy parecido: "Bichos" (John Lasseter-Dean Stanton 1998). Una curiosidad que incluyó Pixar al final de la película fue incluir unas desternillantes tomas falsas, algo que tiene miga tratándose de películas de animación.
_En 2001 Pixar estrena "Monstuos S.A." (Peter Docter-David Silverman-Lee Unkrich. 2001) y Dreamworks la sorprendente "Shrek" (Andrew Adamson-Vicky Jenson, 2001). Después llegaría "Buscando a Nemo" (Andrew Stanton-Lee Unkrich, 2003). Las navidades de 2004 fueron las de una familia de superhéroes para la que su vida es una condena a convivir con la mediocridad: "Los increíbles". Con formidables secuencias de acción, "Los increíbles" es una visión del heroísmo, tanto el superheroico como el diario y un contundente ataque al adocenamiento. También se estrenó con la película el corto "Saltando", enunciado en verso, que es un cruce de parábola bíblica y esos recitados que acompañaban a los bailes del Oeste protagonizado por ovejas, topos y un cruce de conejo y antílope. Surrealista.
_Hay que citar la producción de Disney, continuadora del clásico, "Fantasía 2000", realizada en 1999 en la que siguiendo la idea del original, se crean animaciones, esta vez digitales, en las que se combinan composiciones de música clásica con imágenes a veces muy logradas.
_Los otros estudios se resisten a quedar rezagados y producen "La edad del hielo" (Fox), "Final Fantasy" (Columbia) o "Jimmy Neutron" (Paramount), y
_En los últimos años, Pixar ha continuado demostrando una creatividad y vitalidad artística asombrosa con títulos de la brillantez de "Ratatouille" (2007) de Brad Bird y Jan Pinkava, "Wall-E" (2008) de Andrew Stanton y "Up" (2009) de Pete Docter y Bob Peterson. Y el futuro promete nuevas maravillas.
_En España también se producen, y con éxito, dibujos animados por ordenador. El primer film de animación digital fue "El bosque animado" (2001) basado en la novela homónima, producido por la empresa gallega Dygra Films. Poco después Filmax se inició con "Pinocho 3000" (2002), una versión futurista del cuento de Collodi, y en la actualidad "Planet 51" (2009) es un éxito mundial de la animación digital española.
_La animación digital es un camino que abre muchas puertas a la animación, aunque las animaciones tradicionales no van a desaparecer y en ocasiones en una misma película se utilizan varias técnicas de animación.
* * * * *
6/7/11
National Film Board of Canada
_El National Film Board of Canada desde hace más de medio siglo es una referencia mundial en la animación, y el crítico de cine Leonard Maltin comenta en este documental sus trabajos favoritos, clásicos y obras maestras.
_Si les gusta la animación, les gustará. Si les gusta el cine experimental, les gustará.
>
http://www.nfb.ca/film/leonard_maltins_animation_favorites/ 1994 / 95 min.
-
Y aquí mismo, "Begone dull care" (1949), una de las joyas del genial Norman McLaren
>
_Si les gusta la animación, les gustará. Si les gusta el cine experimental, les gustará.
>
http://www.nfb.ca/film/leonard_maltins_animation_favorites/ 1994 / 95 min.
-
Y aquí mismo, "Begone dull care" (1949), una de las joyas del genial Norman McLaren
>
13/4/11
Animación de Richard Linklater: Waking life (2001) + A scanner darkly (2006)
Programa doble
Animación de Richard Linklater
-
Waking life (2001) Richard Linklater
Original propuesta en el cine de animación empleando la técnica del rotoshop, que da una textura híbrida entre la imagen real y el dibujo animado. Sin embargo, el film se ve abrumado por la excesiva densidad intelectual y filosófica, repleta de sesudas citas, de las derivas límbico-onírico-vitales del protagonista, por decirlo de alguna manera. Se trata de una película que supone una estimulante experiencia, pero quizá por su vibración visual y su espesura intelectual hubiera sido más natural crear un intenso mediometraje.
+
A scanner darkly (2006) Richard Linklater
Adaptando una obra de Philip K. Dick, esta película de animación crea un camino asombrosamente expresionista en el género a través de una técnica de animación (nuevamente el rotoshop) a la vez hiperrealista y vacilante que crea efectos narrativos, sobre todo inquietantes y dramáticos, muy originales, recreando con énfasis visual el particular universo del clásico autor de ciencia-ficción.
-
29/3/11
El ilusionista (2010) Sylvain Chomet
El ilusionista (2010) Sylvain Chomet
Con un preciosismo delicioso, una narrativa sutil y toda la genialidad que rezumaba el maestro de la comedia Jacques Tati, el animador Sylvain Chomet (autor de la pequeña joya de la animación "Bienvenidos a Belleville") crea una maravillosa película basada en un guión de Tati, que plasma su concepción lúcida, lúdica y algo agridulce de la vida, en especial de la vida moderna. Llena de momentos conmovedoramente bellos y humanos, el film es una de las obras más ambiciosas (pero no pretenciosas) que ha creado la animación contemporánea. A Tati, (ojo al guiño hacia el final) le hubiera encantado.
~
Con un preciosismo delicioso, una narrativa sutil y toda la genialidad que rezumaba el maestro de la comedia Jacques Tati, el animador Sylvain Chomet (autor de la pequeña joya de la animación "Bienvenidos a Belleville") crea una maravillosa película basada en un guión de Tati, que plasma su concepción lúcida, lúdica y algo agridulce de la vida, en especial de la vida moderna. Llena de momentos conmovedoramente bellos y humanos, el film es una de las obras más ambiciosas (pero no pretenciosas) que ha creado la animación contemporánea. A Tati, (ojo al guiño hacia el final) le hubiera encantado.
~
13/10/10
Meet the Feebles (1989) Peter Jackson
Meet the Feebles (1989) Peter Jackson
Una "comedia" (que muchas veces no hace gracia) negra, ácida, salvaje, musical, y con toda la mala leche imaginable, pero también con alguna que otra certera crítica al mundo del espectáculo y a la prensa sensacionalista, y un universo de lo más delirante, ¡y hecha con marionetas!. Además no hay especial recato en temas como drogas, sexo, o la guerra, y más que apuntes escatológicos hay todo un surtido de lo más vicioso que recorre el film. La intención del hoy famoso Peter Jackson (del que me gustó mucho "Criaturas celestiales") quizá fue escandalizar, el caso es que esta película de desaforada virulencia está en las antípodas de lo que se entiende por animación con marionetas, pues de infantil no tiene nada. Animación adulta con un gusto perverso por lo desagradable. Una boutade, probablemente sin parangón en el mundo de la animación. Sórdida en exceso, y un reverso de lo más sombrío de los entrañables Teleñecos. Lástima que Jackson alargue demasiado la propuesta y se decante tanto por lo más obvio y asqueroso, con lo que la vertiente crítica pierde fuelle ante al efectismo más gamberro y violento, incluso con referencias al pasado gore del director de la trilogía del Señor de los anillos.
~
Una "comedia" (que muchas veces no hace gracia) negra, ácida, salvaje, musical, y con toda la mala leche imaginable, pero también con alguna que otra certera crítica al mundo del espectáculo y a la prensa sensacionalista, y un universo de lo más delirante, ¡y hecha con marionetas!. Además no hay especial recato en temas como drogas, sexo, o la guerra, y más que apuntes escatológicos hay todo un surtido de lo más vicioso que recorre el film. La intención del hoy famoso Peter Jackson (del que me gustó mucho "Criaturas celestiales") quizá fue escandalizar, el caso es que esta película de desaforada virulencia está en las antípodas de lo que se entiende por animación con marionetas, pues de infantil no tiene nada. Animación adulta con un gusto perverso por lo desagradable. Una boutade, probablemente sin parangón en el mundo de la animación. Sórdida en exceso, y un reverso de lo más sombrío de los entrañables Teleñecos. Lástima que Jackson alargue demasiado la propuesta y se decante tanto por lo más obvio y asqueroso, con lo que la vertiente crítica pierde fuelle ante al efectismo más gamberro y violento, incluso con referencias al pasado gore del director de la trilogía del Señor de los anillos.
~
4/10/10
Kihachiro Kawamoto, genio de la animación stop-motion: Shisha no sho (2005)
Shisha no sho (2005) Kihachiro Kawamoto.
A veces, afortunadamente, uno se encuentra algo, o alguien, que demuestra lo limitado que es el lenguaje, y las palabras se quedan más que cortas, como muy humildes y pequeñas, como pidiendo permiso para atreverse a sacar pelín la cabeza. Estas cosas me pasan pocas veces, el amor (tan dicharachero en teoría, y cantarín, en realidad lo que más demuestra es que el amor no se puede expresar con palabras, es rebajarlo al lenguaje) provoca esta timidez del lenguaje, y el arte, en ocasiones también. Y el cine, cuando llega a la magnitud artística de "Shisha no sho", también me deja casi sin palabras. ¿Qué se puede decir de una obra tan sutil, delicada y preciosa, de una joya tan maravillosa, trufada de detalles que elevan el espíritu, encantan la mirada, agrandan los corazones y por si la habíamos perdido nos devuelve la fe en el arte sublime de la animación?. Se puede decir que es una obra maestra, pero incluso decir esto me parece tan poco, como intentar atrapar lo maravilloso en apenas unas palabras. A mí, la emoción que me arrebata de gozo ante esta película... no puedo expresarla, es algo mágico, o espiritual, o trascendente, o... además de una obra que deja en evidencia a tantas obras con ínfulas artísticas, a tanto ombligo de supuesto artista. Esto es arte, sagrado, del que enamora en un certero flechazo entre ceja y ceja, entre sístole y diástole, entre cuerpo y alma, ojosadentro. En esta sociedad en la que abunda tanto la imitación, lo mediocre y el endiosamiento vanidoso, esto es poesía, y uno de los motivos por los que el ser humano aún tiene sentido en este mundo. Un tesoro que derrama sus riquezas como nubes que regalan suavemente su lluvia.
>
shisha - shisha-no-sho-2005
~
A veces, afortunadamente, uno se encuentra algo, o alguien, que demuestra lo limitado que es el lenguaje, y las palabras se quedan más que cortas, como muy humildes y pequeñas, como pidiendo permiso para atreverse a sacar pelín la cabeza. Estas cosas me pasan pocas veces, el amor (tan dicharachero en teoría, y cantarín, en realidad lo que más demuestra es que el amor no se puede expresar con palabras, es rebajarlo al lenguaje) provoca esta timidez del lenguaje, y el arte, en ocasiones también. Y el cine, cuando llega a la magnitud artística de "Shisha no sho", también me deja casi sin palabras. ¿Qué se puede decir de una obra tan sutil, delicada y preciosa, de una joya tan maravillosa, trufada de detalles que elevan el espíritu, encantan la mirada, agrandan los corazones y por si la habíamos perdido nos devuelve la fe en el arte sublime de la animación?. Se puede decir que es una obra maestra, pero incluso decir esto me parece tan poco, como intentar atrapar lo maravilloso en apenas unas palabras. A mí, la emoción que me arrebata de gozo ante esta película... no puedo expresarla, es algo mágico, o espiritual, o trascendente, o... además de una obra que deja en evidencia a tantas obras con ínfulas artísticas, a tanto ombligo de supuesto artista. Esto es arte, sagrado, del que enamora en un certero flechazo entre ceja y ceja, entre sístole y diástole, entre cuerpo y alma, ojosadentro. En esta sociedad en la que abunda tanto la imitación, lo mediocre y el endiosamiento vanidoso, esto es poesía, y uno de los motivos por los que el ser humano aún tiene sentido en este mundo. Un tesoro que derrama sus riquezas como nubes que regalan suavemente su lluvia.
>
shisha - shisha-no-sho-2005
~
30/9/10
Mi amor (2006) de Alexander Petrov, genio contemporáneo de la animación
Mi amor (2006) Alexander Petrov.
Esta nueva obra maestra del genio de la animación ruso es un ejemplo sublime de expresividad artística, fluidez narrativa, laboriosidad, convicción, estilo, talento y sensibilidad. La adaptación del relato de Ivan Shmelev supone una delicia para los sentidos abordando los delicados matices del amor, la sensualidad, el erotismo y la pasión. Con un tacto exquisito, Petrov despliega el arco-iris del despertar al amor, sin renunciar a un refinado erotismo imbuido de alegre vitalidad, coronado con perlas literarias como "cualquiera que mire a una mujer con propósitos lujuriosos ya ha cometido adulterio con ella en su corazón. Pero, ¿para qué están las mujeres hermosas entonces?." Este mismo pensamiento, expresado con más vehemencia ya se encuentra en William Blake (mi amado Blake) y en Bataille, pero nunca pensé encontrármelo tan bellamente susurrado en una obra maestra de la animación. Filigrana romántica realista en la que la vida vibra en toda su chispeante fugacidad y belleza.
-
http://stagevu.com/video/csvoiomvcftm
~
Esta nueva obra maestra del genio de la animación ruso es un ejemplo sublime de expresividad artística, fluidez narrativa, laboriosidad, convicción, estilo, talento y sensibilidad. La adaptación del relato de Ivan Shmelev supone una delicia para los sentidos abordando los delicados matices del amor, la sensualidad, el erotismo y la pasión. Con un tacto exquisito, Petrov despliega el arco-iris del despertar al amor, sin renunciar a un refinado erotismo imbuido de alegre vitalidad, coronado con perlas literarias como "cualquiera que mire a una mujer con propósitos lujuriosos ya ha cometido adulterio con ella en su corazón. Pero, ¿para qué están las mujeres hermosas entonces?." Este mismo pensamiento, expresado con más vehemencia ya se encuentra en William Blake (mi amado Blake) y en Bataille, pero nunca pensé encontrármelo tan bellamente susurrado en una obra maestra de la animación. Filigrana romántica realista en la que la vida vibra en toda su chispeante fugacidad y belleza.
-
http://stagevu.com/video/csvoiomvcftm
~
17/9/10
La animación de Satoshi Kon: Millennium actress (2001) + Paprika (2006)
Uno de los mejores representantes de la animación nipona, Satoshi Kon (1963-2010), falleció hace poco, dejando una filmografía de enorme calidad, inventiva, notable caracterización psicológica, y una soberbia mezcla entre la realidad y los sueños, o los recuerdos. Así que propongo este programa doble, y homenaje a este animador, uno de los más destacados en la animación nipona posmoderna.
>
programa doble: Satoshi Kon
-
Millennium actress (2001) Satoshi Kon
Esta obra maestra de la animación nipona es un compendio de talento descomunal, pues aborda con una fluidez narrativa sobresaliente y una gran convicción (sólo al alcance de los más grandes) la historia del Japón del siglo XX (e incluso de los algunos géneros cinematográficos nipones) a través de las memorias de una actriz, y todo esto con reminiscencias de la ópera prima de Orson Welles, y una sensibilidad romántica y emotiva afianzada en el propio corazón del relato, mostrada con tal naturalidad que verdaderamente los personajes cobran vida de manera maravillosa. Es una película de tal maestría que cuesta entender cómo no es aún más conocida, quizá se deba a coincidir en el tiempo con las obras maestras del genial Hayao Miyazaki.
+
Paprika (2006) Satoshi Kon
Este anime posmoderno se adentra en los laberintos del sueño (y de la realidad) a través de un argumento complejo, fascinante y arrebatador. La propuesta es un viaje, y como todo viaje verdadero, se desconoce el lugar al que se va... pero se viaja. Satoshi Kon volvió a demostrar con este relato onírico de ciencia-ficción que dominaba el arte de la animación y que no escatimaba la caracterización psicológica de los personajes, ni el talento. Todo se une increíblemente, pues a un gran detallismo visual, una inventiva desbordante, una soberbia combinación de animación tradicional y animación informática, se une un acertado montaje, una estimulante música y un tempo narrativo logrado y equilibrado, con lo que todo confluye prodigiosamente alumbrando una obra original, magnética y audaz.
~
>
programa doble: Satoshi Kon
-
Millennium actress (2001) Satoshi Kon
Esta obra maestra de la animación nipona es un compendio de talento descomunal, pues aborda con una fluidez narrativa sobresaliente y una gran convicción (sólo al alcance de los más grandes) la historia del Japón del siglo XX (e incluso de los algunos géneros cinematográficos nipones) a través de las memorias de una actriz, y todo esto con reminiscencias de la ópera prima de Orson Welles, y una sensibilidad romántica y emotiva afianzada en el propio corazón del relato, mostrada con tal naturalidad que verdaderamente los personajes cobran vida de manera maravillosa. Es una película de tal maestría que cuesta entender cómo no es aún más conocida, quizá se deba a coincidir en el tiempo con las obras maestras del genial Hayao Miyazaki.
+
Paprika (2006) Satoshi Kon
Este anime posmoderno se adentra en los laberintos del sueño (y de la realidad) a través de un argumento complejo, fascinante y arrebatador. La propuesta es un viaje, y como todo viaje verdadero, se desconoce el lugar al que se va... pero se viaja. Satoshi Kon volvió a demostrar con este relato onírico de ciencia-ficción que dominaba el arte de la animación y que no escatimaba la caracterización psicológica de los personajes, ni el talento. Todo se une increíblemente, pues a un gran detallismo visual, una inventiva desbordante, una soberbia combinación de animación tradicional y animación informática, se une un acertado montaje, una estimulante música y un tempo narrativo logrado y equilibrado, con lo que todo confluye prodigiosamente alumbrando una obra original, magnética y audaz.
~
15/9/10
animación: algunos enlaces y bibliografía
www.digitalmediafx.com/Features/animationhistory.html
http://shopping.animazing.com/gallery/timeline.htm
www.iua.upf.es/~berenguer/textos/pioners/principal_cas.html
http://rnasa.tic.udc.es/gc/Contenidos%20adicionales/trabajos/Peliculas/Animacion/TIM_04_Animacion.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_de_animaci%C3%B3n
www.espacioexterior.net/pixar.html
www.cplus.es/codigo/especiales/comosehizo.asp?id=429894&cod=430235
www.monografias.com/trabajos10/anim/anim.shtml
www.terra.es/cine/especiales/cineanimacion/go.htm
www.cinestrenos.com
www.popchild.com
www.eba.ufmg.br/midiaarte/quadroaquadro/stop/princip1.htm
www.celmex.com.mx/arte-cult/animacion/AnimeLeyes.htm
www.public.iastate.edu/~rllew/chrn1960.html
www.midnighteye.com/interviews/kihachiro_kawamoto.shtml
www.dibunet.com/topic16.html
www.terra.es/cine/especiales/cinedigital/venir.htm
www.public.iastate.edu/~rllew/animelinks.html (en inglés, noticias...)
www.celmex.com.mx/arte-cult/animacion/historiaanimacion.htm
www.caixatarragona.es/esp/sec_16/0411Pantallaanimada.html
www.animenewsnetwork.com/encyclopedia/people.php?id=11911 (en inglés)
www.awn.com (animation world network)
www.animationmagazine.net/ (animation magazine)
www.animation.dreamers.com/
www-viz.tamu.edu/courses/viza615/97spring/pjames/history/main.html
www.ptichat.free.fr
www.animint.com (en francés)
www.animationpost.co.cu
www.toonopedia.com
www.cartoonresearch.com
www.bcdb.com (big cartoon data base)
_sobre manga y anime...
www.mangaes.com (sobre manga)
www.anipike.com (en inglés)
www.animenewsservice.com (en inglés)
www.east.sakura.ne.jp/aniba (en inglés)
www.adam.com.ar (asociación de manga argentina)
www.granavenida.com/adam.es (asociación de manga española)
www.animania.de (en alemán)
www.otakuworld.com (en inglés)
www.mangaitalia.it (en italiano)
www.mangamaniacs.org (en inglés)
www.mangax.com.br (en portugués, web brasileña)
www.artistic-inks.net (en inglés)
- - - - -
festival de cine de animación de annecy
http://www.annecy.org/home/?Page_ID=1 (en francés o en inglés)
-
festival de animación de zagreb
http://www.animafest.hr (en inglés)
_
_bibliografía interesante
-Animation now!, VV.AA. (Taschen -2004) incluye un dvd
-Animación, Gabriele Lucci (Editorial Electa -2005)
-El cine de animación, Pedro E. Delgado (Ediciones JC -2000)
-Arte y técnica de los dibujos animados, José Mª Candel (Cdad Autónoma de Murcia, Cajamurcia - 2005)
-Todo empezó con un ratón, el fantástico mundo de los cortos Disney, Jorge Fonte (T&B editores - 2004)
-Técnicas de animación, Chris Webster (Anaya, 2005)
-El gran libro del manga, Alfons Moliné (Glénat, 2002)
http://shopping.animazing.com/gallery/timeline.htm
www.iua.upf.es/~berenguer/textos/pioners/principal_cas.html
http://rnasa.tic.udc.es/gc/Contenidos%20adicionales/trabajos/Peliculas/Animacion/TIM_04_Animacion.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_de_animaci%C3%B3n
www.espacioexterior.net/pixar.html
www.cplus.es/codigo/especiales/comosehizo.asp?id=429894&cod=430235
www.monografias.com/trabajos10/anim/anim.shtml
www.terra.es/cine/especiales/cineanimacion/go.htm
www.cinestrenos.com
www.popchild.com
www.eba.ufmg.br/midiaarte/quadroaquadro/stop/princip1.htm
www.celmex.com.mx/arte-cult/animacion/AnimeLeyes.htm
www.public.iastate.edu/~rllew/chrn1960.html
www.midnighteye.com/interviews/kihachiro_kawamoto.shtml
www.dibunet.com/topic16.html
www.terra.es/cine/especiales/cinedigital/venir.htm
www.public.iastate.edu/~rllew/animelinks.html (en inglés, noticias...)
www.celmex.com.mx/arte-cult/animacion/historiaanimacion.htm
www.caixatarragona.es/esp/sec_16/0411Pantallaanimada.html
www.animenewsnetwork.com/encyclopedia/people.php?id=11911 (en inglés)
www.awn.com (animation world network)
www.animationmagazine.net/ (animation magazine)
www.animation.dreamers.com/
www-viz.tamu.edu/courses/viza615/97spring/pjames/history/main.html
www.ptichat.free.fr
www.animint.com (en francés)
www.animationpost.co.cu
www.toonopedia.com
www.cartoonresearch.com
www.bcdb.com (big cartoon data base)
_sobre manga y anime...
www.mangaes.com (sobre manga)
www.anipike.com (en inglés)
www.animenewsservice.com (en inglés)
www.east.sakura.ne.jp/aniba (en inglés)
www.adam.com.ar (asociación de manga argentina)
www.granavenida.com/adam.es (asociación de manga española)
www.animania.de (en alemán)
www.otakuworld.com (en inglés)
www.mangaitalia.it (en italiano)
www.mangamaniacs.org (en inglés)
www.mangax.com.br (en portugués, web brasileña)
www.artistic-inks.net (en inglés)
- - - - -
festival de cine de animación de annecy
http://www.annecy.org/home/?Page_ID=1 (en francés o en inglés)
-
festival de animación de zagreb
http://www.animafest.hr (en inglés)
_
_bibliografía interesante
-Animation now!, VV.AA. (Taschen -2004) incluye un dvd
-Animación, Gabriele Lucci (Editorial Electa -2005)
-El cine de animación, Pedro E. Delgado (Ediciones JC -2000)
-Arte y técnica de los dibujos animados, José Mª Candel (Cdad Autónoma de Murcia, Cajamurcia - 2005)
-Todo empezó con un ratón, el fantástico mundo de los cortos Disney, Jorge Fonte (T&B editores - 2004)
-Técnicas de animación, Chris Webster (Anaya, 2005)
-El gran libro del manga, Alfons Moliné (Glénat, 2002)
14/9/10
películas clave del cine de animación
En su reciente, y muy interesante, "Películas clave del cine de animación" (Robin Book, 2010), el crítico Jordi Costa repasa este arte cinematográfico comentando 100 títulos memorables. Leerlos, ya es deleitarse con agradables recuerdos; verlos de nuevo es el éxtasis, y descubrirlos... un placer.
-
1914 Gertie, the dinosaur, de Winsor McCay
1923 Felix in Hollywood, de Otto Mesmer
1926 Die abenteuer des prinzen Achmed, de Lotte Reiniger
1928 Steamboat Willie, de Ub Iwerks y Walt Disnye
1936 Popeye the sailor meets Sindbad the sailor, de Dave Fleischer
1937 Blancanieves y los siete enanitos, de David Hand
1937 Porky's romance, de Frank Tashlin
1937 Le roman de renard, de Ladislaw e Irene Starewicz
1938 Porky in Wackyland, de Bob Clampett
1939 Los viajes de Gulliver, de Dave Fleischer
1940 Fantasía, de VV.AA.
1940 Pinocho, de Hamilton Luske y Ben Sharpsteen
1941 Dumbo, de Ben Sharpsteen
1942 Bambi, de David Hand
1944 Mouse trouble, de William Hanna y Joseph Barbera
1948 Garbancito de la Mancha, de José María Blay y Arturo Moreno
1949 Císaruv slavik, de Jirí Trnka y Milos Makovec
1949 Little rural riding hood, de Tex Avery
1951 Gerald Mc Boing Boing, de Robert Cannon
1952 Neighbours, de Norman McLaren
1953 Peter Pan, de Clyde Geromini, Wilfred Jackson y Hamilton Luske
1953 The tell-tale heart, de Ted Parmelee
1954 Rebelión en la granja, de John Halas y Joy Batchelor
1955 La dama y el vagabundo, de Clyde Geromini, Wilfred Jackson y Hamilton Luske
1958 Knighty knight bugs, de Friz Freleng
1958 Una invención diabólica, de Karel Zeman
1959 La bella durmiente, de Clyde Geromini
1959 Shonen sarutobi sasuke, de Taiji Yabushita y Akira Daikuhara
1961 101 dálmatas, de Wolfgang Reitherman, Hamilton Luske y Clyde Geromini
1961 Surogat, de Dusan Vukotic
1962 Gay Purr-ee, de Abe Levitow
1964 Las aventuras del oso Yogui, de William Hanna y Joseph Barbera
1965 Johnny y Clementina en el oeste, de Bruno Bozzetto
1966 El superagente Picapiedra, de William Hanna y Joseph Barbera
1966 El mago de los sueños, de Francisco Macián
1967 El libro de la selva, de Wofgang Reitherman
1967 Mad monster party?, de Jules Bass
1967 Théâtre de M. et Mme. Kabal, de Walerian Borowczyk
1968 La princesa encantada, de Isao Takahata
1968 El submarino amarillo, de George Dunning
1969 Carlitos y Snoopy, de Bill Meléndez
1969 El gato con botas, de Kimio Yabuki
1972 El gato caliente, de Ralph Bakshi
1973 Heavy traffic, de Ralph Bakshi
1973 El planeta salvaje, de René Laloux
1977 Allegro non troppo, de Bruno Bozzetto
1978 Orejas largas, de Martin Rosen
1979 The Bugs Bunny/Road Runner movie, de Chuck Jones y Phil Monroe
1979 Harpya, de Raoul Servais
1980 Hi no tori 2772: ai no kosumozon, de Taku Sugiyama
1980 Le roi et l'oiseau, de Paul Grimault
1981 Heavy metal, de Gerald Potterton
1981 Unico, de Osamu Tezuka y Toshio Hirata
1982 Nimh. El mundo secreto de la señora Brisby, de Don Bluth
1982 Tron, de Steven Lisberger
1984 Nausicaa del valle del viento, de Hayao Miyazaki
1985 The adventures of Mark Twain, de Will Vinton
1985 Krysar, de Jirí Barta
1986 Cuando el viento sopla, de Jimmy T. Murakami
1986 Street of crocodiles, de Stephen y Timothy Quay
1987 The puppetoon movie, de Arnold Leibovit y George Pal
1988 Akira, de Katsuhiro Otomo
1988 Neco z Alenky, de Jan Svankmajer
1988 ¿Quién engañó a Rogger Rabbit?, de Robert Zemeckis
1988 De schrivjer en de Dood/The writer, de Paul Driessen
1988 La tumba de las luciérnagas, de Isao Takahata
1988 Mi vecino Totoro, de Hayao Miyazaki
1991 La bella y la bestia, de Gary Trousdale y Kirk Wise
1992 Aladdin, de John Musker y Ron Clements
1992 Porco rosso, de Hayao Miyazaki
1993 Pesadilla antes de Navidad, de Henry Selick
1994 Pompoko, de Isao Takahata
1994 El rey león, de Roger Allers y Ron Minkoff
1994 Ghost in the shell, de Mamoru Oshii
1995 Toy story, de John Lasseter
1996 Beavis y Butt-Head recorren América, de Mike Judge e Yvette Kaplan
1997 Me casé con un extraño, de Bill Plympton
1997 La princesa Mononoke, de Hayao Miyazaki
1999 El gigante de hierro, de Brad Bird
1999 South Park: más grande, más largo y sin cortes, de Trey Parker
2001 Metrópolis, de Rintaro
2001 Millenium actress, de Satoshi Kon
2001 Shrek, de Andrew Adamson y Vicky Jenson
2001 El viaje de Chihiro, de Hayao Miyazaki
2003 Bienvenidos a Belleville, de Sylvain Chomet
2003 Buscando a Nemo, de Andrew Stanton y Lee Unkrich
2004 Mind game, de Masaaki Yuasa
2005 Shisha no sho, de Kihachiro Kawamoto
2005 Wallace y Gromit en la maldición de las verduras, de Nick Park y Steve Box
2006 A scanner darkly, de Richard Linklater
2006 Azur y Asmar, de Michel Ocelot
2006 Paprika, de Satoshi Kon
2007 Persépolis, de Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud
2007 Ratatouille, de Brad Bird y Jan Pinkava
2007 Los Simson. La película, de David Silverman
2008 Ponyo en el acantilado, de Hayao Miyazaki
2008 Wall-E, de Andrew Stanton
2008 Los mundos de Coraline, de Henry Selick
2009 Tiana y el sapo, de John Musker y Ron Clements
2009 Up, de Pete Docter y Bob Peterson
-
Y además glosa las principales figuras de la animación: Tex Avery, Ralph Bakshi, Jirí Barta, Bruno Bozzetto, Robert Camplett, Walt Disney, Paul Driessen, Max y Dave Fleischer, William Hanna y Joseph Barbera, John Hubley, Ub Iwerks, Chuck Jones, Satoshi Kon, John Lasseter, Peter Lord, Winsor McCay, Norman McLaren, Otto Mesmer, Hayao Miyazaki, George Pal, Bill Plympton, Hermanos Quay, Lotte Reiniger, Raoul Servais, Ladislaw Starewicz, Jan Svankmajer, Osamu Tezuka, Jirí Trnka, Dusan Vukotic, y Karel Zeman.
:::
(Añadiría a estas listas "Cristal oscuro" (1982), dirigida por Jim Henson y Frank Oz, y al maestro de las marionetas Jim Henson, autor de "Barrio Sésamo", serie de televisión cuyos personajes ya son universales, y también me parece genial la animación de Alexander Petrov, en especial su maravillosa adaptación de la obra de Hemingway ya clásica, "El viejo y el mar" (1999) en la que pinta con sus propios dedos sobre cristal)
~
-
1914 Gertie, the dinosaur, de Winsor McCay
1923 Felix in Hollywood, de Otto Mesmer
1926 Die abenteuer des prinzen Achmed, de Lotte Reiniger
1928 Steamboat Willie, de Ub Iwerks y Walt Disnye
1936 Popeye the sailor meets Sindbad the sailor, de Dave Fleischer
1937 Blancanieves y los siete enanitos, de David Hand
1937 Porky's romance, de Frank Tashlin
1937 Le roman de renard, de Ladislaw e Irene Starewicz
1938 Porky in Wackyland, de Bob Clampett
1939 Los viajes de Gulliver, de Dave Fleischer
1940 Fantasía, de VV.AA.
1940 Pinocho, de Hamilton Luske y Ben Sharpsteen
1941 Dumbo, de Ben Sharpsteen
1942 Bambi, de David Hand
1944 Mouse trouble, de William Hanna y Joseph Barbera
1948 Garbancito de la Mancha, de José María Blay y Arturo Moreno
1949 Císaruv slavik, de Jirí Trnka y Milos Makovec
1949 Little rural riding hood, de Tex Avery
1951 Gerald Mc Boing Boing, de Robert Cannon
1952 Neighbours, de Norman McLaren
1953 Peter Pan, de Clyde Geromini, Wilfred Jackson y Hamilton Luske
1953 The tell-tale heart, de Ted Parmelee
1954 Rebelión en la granja, de John Halas y Joy Batchelor
1955 La dama y el vagabundo, de Clyde Geromini, Wilfred Jackson y Hamilton Luske
1958 Knighty knight bugs, de Friz Freleng
1958 Una invención diabólica, de Karel Zeman
1959 La bella durmiente, de Clyde Geromini
1959 Shonen sarutobi sasuke, de Taiji Yabushita y Akira Daikuhara
1961 101 dálmatas, de Wolfgang Reitherman, Hamilton Luske y Clyde Geromini
1961 Surogat, de Dusan Vukotic
1962 Gay Purr-ee, de Abe Levitow
1964 Las aventuras del oso Yogui, de William Hanna y Joseph Barbera
1965 Johnny y Clementina en el oeste, de Bruno Bozzetto
1966 El superagente Picapiedra, de William Hanna y Joseph Barbera
1966 El mago de los sueños, de Francisco Macián
1967 El libro de la selva, de Wofgang Reitherman
1967 Mad monster party?, de Jules Bass
1967 Théâtre de M. et Mme. Kabal, de Walerian Borowczyk
1968 La princesa encantada, de Isao Takahata
1968 El submarino amarillo, de George Dunning
1969 Carlitos y Snoopy, de Bill Meléndez
1969 El gato con botas, de Kimio Yabuki
1972 El gato caliente, de Ralph Bakshi
1973 Heavy traffic, de Ralph Bakshi
1973 El planeta salvaje, de René Laloux
1977 Allegro non troppo, de Bruno Bozzetto
1978 Orejas largas, de Martin Rosen
1979 The Bugs Bunny/Road Runner movie, de Chuck Jones y Phil Monroe
1979 Harpya, de Raoul Servais
1980 Hi no tori 2772: ai no kosumozon, de Taku Sugiyama
1980 Le roi et l'oiseau, de Paul Grimault
1981 Heavy metal, de Gerald Potterton
1981 Unico, de Osamu Tezuka y Toshio Hirata
1982 Nimh. El mundo secreto de la señora Brisby, de Don Bluth
1982 Tron, de Steven Lisberger
1984 Nausicaa del valle del viento, de Hayao Miyazaki
1985 The adventures of Mark Twain, de Will Vinton
1985 Krysar, de Jirí Barta
1986 Cuando el viento sopla, de Jimmy T. Murakami
1986 Street of crocodiles, de Stephen y Timothy Quay
1987 The puppetoon movie, de Arnold Leibovit y George Pal
1988 Akira, de Katsuhiro Otomo
1988 Neco z Alenky, de Jan Svankmajer
1988 ¿Quién engañó a Rogger Rabbit?, de Robert Zemeckis
1988 De schrivjer en de Dood/The writer, de Paul Driessen
1988 La tumba de las luciérnagas, de Isao Takahata
1988 Mi vecino Totoro, de Hayao Miyazaki
1991 La bella y la bestia, de Gary Trousdale y Kirk Wise
1992 Aladdin, de John Musker y Ron Clements
1992 Porco rosso, de Hayao Miyazaki
1993 Pesadilla antes de Navidad, de Henry Selick
1994 Pompoko, de Isao Takahata
1994 El rey león, de Roger Allers y Ron Minkoff
1994 Ghost in the shell, de Mamoru Oshii
1995 Toy story, de John Lasseter
1996 Beavis y Butt-Head recorren América, de Mike Judge e Yvette Kaplan
1997 Me casé con un extraño, de Bill Plympton
1997 La princesa Mononoke, de Hayao Miyazaki
1999 El gigante de hierro, de Brad Bird
1999 South Park: más grande, más largo y sin cortes, de Trey Parker
2001 Metrópolis, de Rintaro
2001 Millenium actress, de Satoshi Kon
2001 Shrek, de Andrew Adamson y Vicky Jenson
2001 El viaje de Chihiro, de Hayao Miyazaki
2003 Bienvenidos a Belleville, de Sylvain Chomet
2003 Buscando a Nemo, de Andrew Stanton y Lee Unkrich
2004 Mind game, de Masaaki Yuasa
2005 Shisha no sho, de Kihachiro Kawamoto
2005 Wallace y Gromit en la maldición de las verduras, de Nick Park y Steve Box
2006 A scanner darkly, de Richard Linklater
2006 Azur y Asmar, de Michel Ocelot
2006 Paprika, de Satoshi Kon
2007 Persépolis, de Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud
2007 Ratatouille, de Brad Bird y Jan Pinkava
2007 Los Simson. La película, de David Silverman
2008 Ponyo en el acantilado, de Hayao Miyazaki
2008 Wall-E, de Andrew Stanton
2008 Los mundos de Coraline, de Henry Selick
2009 Tiana y el sapo, de John Musker y Ron Clements
2009 Up, de Pete Docter y Bob Peterson
-
Y además glosa las principales figuras de la animación: Tex Avery, Ralph Bakshi, Jirí Barta, Bruno Bozzetto, Robert Camplett, Walt Disney, Paul Driessen, Max y Dave Fleischer, William Hanna y Joseph Barbera, John Hubley, Ub Iwerks, Chuck Jones, Satoshi Kon, John Lasseter, Peter Lord, Winsor McCay, Norman McLaren, Otto Mesmer, Hayao Miyazaki, George Pal, Bill Plympton, Hermanos Quay, Lotte Reiniger, Raoul Servais, Ladislaw Starewicz, Jan Svankmajer, Osamu Tezuka, Jirí Trnka, Dusan Vukotic, y Karel Zeman.
:::
(Añadiría a estas listas "Cristal oscuro" (1982), dirigida por Jim Henson y Frank Oz, y al maestro de las marionetas Jim Henson, autor de "Barrio Sésamo", serie de televisión cuyos personajes ya son universales, y también me parece genial la animación de Alexander Petrov, en especial su maravillosa adaptación de la obra de Hemingway ya clásica, "El viejo y el mar" (1999) en la que pinta con sus propios dedos sobre cristal)
~
11/8/10
Wladislaw Starewicz, la animación es un arte
Wladislaw Starewicz es uno de los mayores genios de la historia del cine. Y esto se puede escribir en mayúsculas, incluso en grandes titulares, pero ¿por qué es aún tan ignorado y su culto tan minoritario, aunque enorme?. Sencillo, la respuesta está en que este maestro del cine se dedicó al todavía poco valorado arte de la animación. Esas cosas que se supone se hacen para que los niños no molesten a los padres, y se estén quietecitos un rato, pues tal parece la concepción boba y pueril que se tiene de la animación. Todavía. Sin embargo, ahí están los genios de la animación para demostrar lo genial que puede llegar a ser una película de dibujos animados (¡alabado sea Miyazaki!) o una obra maestra de la animación del grandísimo Starewicz. No me resisto a dejarles un enlace en el que pueden acceder a algunas de las obras maestras más increíbles jamás rodadas. Talento, creatividad y todo lo que la palabra no puede expresar, pero sí el cine.
:::
http://filmoteca-canal7.blogspot.com/2010/07/cortos-animados-de-wladyslaw-starewicz.html
http://www.imdb.com/name/nm0823088/
~
:::
http://filmoteca-canal7.blogspot.com/2010/07/cortos-animados-de-wladyslaw-starewicz.html
http://www.imdb.com/name/nm0823088/
~
16/6/10
Osamu Tezuka: la animación experimental del genio nipón
El manga y el anime nipón le deben a Osamu Tezuka (1928-1989)... casi todo. Pero este genio de la animación además era un espíritu creativo desbordante, lleno de inquietud, ganas de probar cosas nuevas, adentrarse en territorios desconocidos, e incluso de crear nuevos caminos.
Así, esta recopilación de trabajos, titulada "Animación experimental de Tezuka", aborda 13 obras, de duración variable, del maestro nipón:
-Macho (1962)
-Historias de una calle (1962)
-Recuerdos (1964)
-Sirena (1964)
-La gota (1965)
-Cuadros de una exposición (1966)
-El Génesis (1968)
-Saltando (1984)
-Una película estropeada (1985)
-Pulsar (1987)
-Muramasa (1987)
-La leyenda del bosque (1987)
-Autorretrato (1988)
Una maravilla tras otra, y con partituras musicales que harán las delicias de cualquier amante de la música.
:::
Así, esta recopilación de trabajos, titulada "Animación experimental de Tezuka", aborda 13 obras, de duración variable, del maestro nipón:
-Macho (1962)
-Historias de una calle (1962)
-Recuerdos (1964)
-Sirena (1964)
-La gota (1965)
-Cuadros de una exposición (1966)
-El Génesis (1968)
-Saltando (1984)
-Una película estropeada (1985)
-Pulsar (1987)
-Muramasa (1987)
-La leyenda del bosque (1987)
-Autorretrato (1988)
Una maravilla tras otra, y con partituras musicales que harán las delicias de cualquier amante de la música.
:::
12/4/10
Alexander Petrov, genio de la animación
Programa doble Alexander Petrov
Este programa doble es un reconocimiento a la labor del gran animador ruso Alexander Petrov, uno de los genios de la animación contemporánea.
*
La vaca (1989)
Adaptando un relato de Andrei Platonov, el animador crea con sus pinturas una historia llena de mágicas texturas, vibrante y a un tiempo delicada y fuerte. Maravillosa en su sencillez.
+
El viejo y el mar (1999)
La memorable novela corta de Hemigway cobra una dimensión aún mayor con la sutil y vigorosa paleta de colores y técnica que emplea Alexander Petrov. Las palabras siempre se quedan cortas ante esta obra maestra, en la que Petrov trabajó meticulosamente durante 3 años, pintando con sus propios dedos sobre vidrio, que retroiluminado fotografió alrededor de 29.000 veces. Sí, han leído bien, 29.000 pinturas que dan como resultado esta joya. Si no tienen sombrero, cómprense uno, ¡hay que quitarse el sombrero ante este hombre!. Un artista.
:::
Este programa doble es un reconocimiento a la labor del gran animador ruso Alexander Petrov, uno de los genios de la animación contemporánea.
*
La vaca (1989)
Adaptando un relato de Andrei Platonov, el animador crea con sus pinturas una historia llena de mágicas texturas, vibrante y a un tiempo delicada y fuerte. Maravillosa en su sencillez.
+
El viejo y el mar (1999)
La memorable novela corta de Hemigway cobra una dimensión aún mayor con la sutil y vigorosa paleta de colores y técnica que emplea Alexander Petrov. Las palabras siempre se quedan cortas ante esta obra maestra, en la que Petrov trabajó meticulosamente durante 3 años, pintando con sus propios dedos sobre vidrio, que retroiluminado fotografió alrededor de 29.000 veces. Sí, han leído bien, 29.000 pinturas que dan como resultado esta joya. Si no tienen sombrero, cómprense uno, ¡hay que quitarse el sombrero ante este hombre!. Un artista.
:::
8/4/10
un siglo de animación
Aunque he echado en falta al gran Miyazaki, y mucho más sobre el anime japonés, en el documental de los enlaces se aborda la animación con amplitud de miras, dando a conocer a genios de este arte, y sobre todo mostrando fragmentos de obras maestras sorprendentes, creativas y maravillosas.
Si no tienen divx player, instálenlo que es gratis y estos tesoros de la animación no tienen precio.
-
http://stagevu.com/video/xtkrjrfmkauu
http://stagevu.com/channel/109420 canal de animación (en construcción)
:::
Si no tienen divx player, instálenlo que es gratis y estos tesoros de la animación no tienen precio.
-
http://stagevu.com/video/xtkrjrfmkauu
http://stagevu.com/channel/109420 canal de animación (en construcción)
:::
Suscribirse a:
Entradas (Atom)